Horroroso Malo Regular Bueno Brillante Excepcional
| HOLYWILD Electric Garden |
| FALLEN ANGEL Sueños del pasado |
| HAMLET Pura vida |
| MOTORJESUS Deathrider |
| JILL YAN B4 |
| GRAVE DIGGER Yesterday |
| SAME OLD The r.e.m. phase |
| NEIL YOUNG Living with war |
| UFO The monkey puzzle |
| UNICORN RECORDS Especial, Segunda parte |
| SABATAN Fire Angel |
| DARKEMIST Mindseek |
| MÄGO DE OZ Rarezas |
| FITO & FITIPALDIS Por la boca vive el pez |
| UZZHUAÏA Uzzhuaïa |
| CIRCUS Laberinto |
| MEDINA SONORA Vol. 4: Fugaz (cortos sonoros) |
| MEDINA SONORA Vol. 5: Erótica Sonora |
| MIRADA DE ÁNGEL Secretos del Espíritu |
| MOTÖRHEAD Kiss of Death |
HOLYWILD “Electric Garden” (2006)
¿Os imagináis a Nirvana tocando el Troubador con el pelo cardado? Pues que me perdonen los sabios pero a eso es lo que me ha recordado la primera copla de este disco y, sinceramente, todavía no sé si eso es bueno o malo. Desde luego la copla, “Best Friends”, sí lo es. Pero es que pasas a la segunda y ¡te siguen descolocando! Del inglés pasamos al román paladino en una mezcla rara que me recuerda, me perdonen de nuevo, Héroes del Silencio con Loquillo de cantante. Voy a dejar las drogas.
Empecemos de nuevo antes de que esta familia se acuerda de la mía. Desde luego Holywild no pueden esconder que han bebido, y mucho, de diferentes botellas (la tercera copla ya ha vuelto a cambiar el idioma y el tercio) y eso es bueno. Saber aglutinar tan diferentes propuestas es siempre bueno porque enriquece aunque a veces descuadre. También es verdad que a veces puede darse que el resultado de esta amalgama quede como algo improvisado, a medio acabar y sin pulir aunque en este caso se percibe desde la primera nota que hay un buen trabajo detrás de este disco.
Desde luego, y es mi opinión, mejoran mucho cuando dejan el castellano para otras cosas ¡hay un abismo entre las canciones en inglés y las escritas en español! También tengo la sensación de que son coplas creadas en un gran intervalo de tiempo porque hay mucha diferencia entre unas y otras. No obstante el resultado global me parece bastante bueno. Además “It´s Only Rock & Roll, But I Like It”, vamos que a nadie le amarga un dulce.
Buen trabajo, variadísimo y algo desconcertante pero original y muy entretenido.
FALLEN ANGEL "Sueños del pasado" (2005)
“Sueños del pasado” supone el primer disco de los sevillanos Fallen Angel. El CD fue editado en octubre de 2005 por el sello salmantino Akeloo y distribuido por Avispa. Siendo grabado entre julio y noviembre de 2004 en los estudios Almäví (Ginés, Sevilla) por Vicente G. Frías. Producido por éste y el quinteto.
El grupo nace en 1996, de las cenizas de la banda Justicia Ciega, en la que formaban Enrique Romero (guitarra y voz) y Joaquín Zapata (guitarra), a ellos se les unió Rafael Agudo (batería) y Jordi Mir (bajo). En noviembre de dicho año José Juan García “Asejuá” libra de las labores vocales a Enrique. Es así como nace Fallen Angel, cambiando las letras al inglés. En junio del 2000 la base rítmica deja la banda. Tres meses después Eduardo Cobos (ex–SDT) entra como baterista, y un mes después Carlos Raya (ex–Arcángel) como bajista. En diciembre del 2000 “Asejuá” tiene que abandonar el grupo, encontrando su sustituto, José Antonio Lozano “Tony Kiske”, en mayo de 2001. Editan en febrero de 2002, su primera maqueta “Tales from Hell”. Antes del verano de 2003 Eduardo Cobos, Tony K. y Carlos Raya dejan la banda. En junio de 2003 regresa Rafa Agudo a los tambores. En septiembre de 2003 Pedro Albaladejo “Piter” (ex–Dark Crown) entra como vocalista. De nuevo Carlos Raya vuelve como bajista. Con la decisión de volver otra vez a escribir temas en castellano el grupo decide grabar su primer CD. Previo al CD se edita el single “Sentencia” en febrero de 2005, a punto de editar el disco, Carlos Raya de nuevo deja la banda en mayo de 2005, lo sustituye Francisco J. Campos “Curro” (Opera Manent).
Partamos de que el estilo de Heavy Metal acelerado y trotón (dígase Power Metal europeo) está más sobado que el pomo de una puerta, que a servidor desde hace unos años los cantantes con tonos agudos le resultan más cargantes que un melón en una pestaña. Si a eso sumamos composiciones extensas, que van de cinco minutos y pico (la más corta) a nueve y pico (las más largas). Si exceptuamos los cortes instrumentales y prólogos: “El séptimo sello” (primer corte que sirve de intro), las instrumentales con guitarra clásica compuestas por el guitarrista Enrique Romero (“Gog” y “Magog”), los segundos de teclas compuestos e interpretados por V. Frías (“Éxodo” y “Abaddón”), y la outro “Noche eterna” (con música de V. Frías y narrando la voz de Yolanda Bando). Lo siento por los sevillanos, que llevan diez años currándoselo y tocando allá y acá. Pero el disco se me hace muy, muy pesado de escuchar. De nada me vale que uno de los guitarristas en una entrevista intente vender su música como “Heavy Metal con tintes progresivos”, porque de progresivo no hay nada de nada, a no ser las composiciones extensas que lo único que consiguen es perder aún más el interés esperando a ver si hay algo destacable que no llega, o los colchones de teclados (obra de Paco Morales – Inner Silence, y del productor en los temas ya nombrados), pero eso, son simples arropes de teclas en los temas. Ni las colaboraciones de los vocalistas José Carlos Bocanegra “Boca” (Evassion) y Manuel Rodríguez (Sphinx), en “Jerusalén” y “La máscara de Judas”, respectivamente, hacen algo más atractivos los temas.
Las composiciones veloces y con estribillos pegadizos para cantar en directo todos a una como en "Jueces del tiempo", "Jerusalén", "Los malditos de Enoc", "Tierra esperanza", y "Sueños en la eternidad" (con participación coral "Heaven Can Wait", formada por los músicos y amistades), junto a las más clásicas "Sentencia" y "La máscara de Judas", además de la balada "Ilusiones muertas", atraerán a la gente que le gusta el actual Heavy Metal de los grupos (obviemos nombres para no herir susceptibilidades) más apoyados por medios y Sellos (que no quiere decir que sean los mejores, al menos para mí) en nuestro país. A mí, sinceramente, y sintiéndolo mucho, me cuesta escuchar el CD entero, el cual consta de un buen libreto.
HAMLET “Pura vida” (2006)
La trayectoria de Hamlet es lo suficientemente variada y, a la vez, consistente, para que sus nuevos lanzamientos siempre gocen de interés. Después de casi dos décadas, siguen siendo una opción a tener en cuenta en el metal hispano.
Su nuevo disco se llama “Pura vida”, y en él dan un golpe de timón con respecto al anterior, “Syberia”, publicado el año pasado. Este “Pura vida” suena más cañero, más rápido, quizás uno de los discos más heavy metal de toda su carrera, a coste de perder algo de la melodía que llenaba “Syberia”. Las guitarras de Pedro Sánchez y Luis Tárraga con sus poderosos riffs y la desbordante batería de Paco Sánchez son máximos protagonistas del disco, con una descarga de adrenalina fulgurante, en contraste con la más apagada voz de J.Molly, que está en un casi permanente segundo plano, junto con el bajo de Álvaro, entregado en la tarea de rellenar todos los huecos para colaborar a la elaboración de este contundente sonido que desprende el disco.
El disco contiene diez temas muy homogéneos entre los que no es sencillo destacar ninguno de ellos. A mi me gusta especialmente “Fronteras de tu mente”, por los cambios de intensidad que consiguen mantener el interés en cotas muy altas, o temas como “El Diablo” o la cañera “En mi nombre”, puntas de lanza de este uniforme trabajo en el que el grupo demuestra su plena madurez.
“Pura vida” demuestra eso mismo, que Hamlet están más vivos que nunca y este disco lo demuestra.
Web HAMLET - Web Locomotive Records
MOTORJESUS “Deathrider” (2006)
Motorjesus es una banda alemana antes conocida como The Shitheadz que nos presenta ahora su disco debut con este nombre, puesto que con el anterior ya habían grabado otro larga duración. Desde luego ellos no tienen ganas de complicarse la vida, y bien que hacen, y “Deathrider” es un disco repleto de Heavy Metal básico y cabezón, asentado fuertemente en todos y cada uno de los clichés que hicieron grande el género pero siendo capaces a la vez de sonar con algo de personalidad, sobre todo en los estribillos, y sonar medianamente actuales sin tener que recurrir a ninguna de las propuestas que nos llegan ahora de USA.
“Legion of Rock”, “Destroyer”, “Hellmachine”, “Black Fuel Domination”… ¡hablan por sí mismos! Títulos explícitos para coplas explícitas, llenas de riffs sobados pero poderosos capaces de ponerte burro, buenas melodías vocales con una voz, Christoph Birx, que sabe lo que hace y una base rítmica que parece una vaca de dos toneladas montada en una moto. Poco espacio para sensiblerías, quizás “10 Feet Under Ground” y “Undertaken” aunque estas también llevan su ración de caña aunque tampoco pensemos que Motorjesus son una estampida sin control de metal, que no, son básicos pero gozan de una mínima elaboración que les da su punto interesante.
Aunque su nombre evoque la figura de un Mesías cabalgando a lomos de una Harley Davidson ellos no están aquí para salvar a nadie ni para liderar nada, sólo para darte su ración de Rock & Roll y Heavy Metal, sin complicarse, sin complicarte, sólo metal, sólo Rock & Roll …
Web MOTORJESUS - Web Locomotive Records
JILL YAN “B4” (2006)
Segundo disco de este guitarrista del que pocas o ninguna noticia teníamos hasta ahora. La verdad es que ni noticias ni información sobre este músico, y en su web www.jillyan.com es complicado entresacar sus notas biográficas entre las entrevistas y los comentarios. Pero como aquí lo que nos importa realmente es lo que es capaz de hacer con su guitarra, y eso está plasmado en este CD, con meterlo en el reproductor, darle al play y escuchar atentamente tenemos suficiente.
Y al hacer eso lo que suenan son 10 temas instrumentales de batería-bajo-guitarra, en los que Jill da rienda suelta a su imaginación sobre el mástil y muestra sus habilidades, que son muchas. Sin embargo, y a pesar de estar acompañado de dos buenos músicos como son Iván de Luca (bajo) y Franz Hirt (batería), quienes le dan algo de color a los temas, éstos se hacen algo pesados, quizá por no compensar adecuadamente lo malabarístico con lo melódico, lo que impregna de una monotonía apabullante a todo el disco.
Su estilo me recuerda bastante al de Steve Vai (por la técnica y por lo plasta que puede llegar a ponerse en determinados momentos), pero lo que hace más atractivo el álbum es que está grabado a la antigua usanza, es decir, en directo, o casi. Primero se grabaron las bases de bajo y batería, y luego la guitarras encima, a capón, sin más arreglos ni más nada, y con los solos improvisados… o eso dice él.
El caso es que el sonido es muy bueno y muy directo, pero el disco se hace bastante pesado, sinceramente. Los temas resultan algo cansinos, aunque técnicamente han quedado impecables. Queda patente que Jill Yan es un gran dominador de su instrumento, pero como compositor todavía le queda un rato.
GRAVE DIGGER “Yesterday” (2006)
Todos les conocéis ya. Grave Digger son uno de los más representativos grupos del llamado Metal Alemán. Tras 25 años de historia como grupo comienzan ahora una nueva etapa bajo el manto de la discográfica española Locomotive Records. Para festejar este nuevo “matrimonio”, se edita este EP con cuatro canciones, adelanto de lo que será su próximo disco, “Liberty or Death”, allá por enero del año próximo.
En este EP, recuperan el viejo tema “Yesterday”, de su primer disco “Heavy Metal Breakdown” (1984), y lo hacen por partida doble, ya que a la versión estrella del EP hay que añadir una versión orquestal del mismo tema.
“Yesterday” está vuelto a grabar por completo, con un sonido perfecto y una buena puesta al día con algunos cambios en los arreglos, conservando todo el sentimiento de este lento tema. En la versión orquestada no se han limitado a añadir los instrumentos clásicos (con muy buen tino), sino que incluso tiene una línea de voz diferente, lo que la hace más atrayente.
El EP se completa con la inédita “The Reapers dance”, un brillante nuevo tema que sigue la línea marcada de Heavy Metal clásico, y una versión del histórico “No quarter” de Led Zeppelin, que ya aparecía en el disco tributo a los ‘Zep “The Music Remains the Same”. La versión tiene mérito, ya que adaptan el espíritu de la canción al sonido y estilo tan diferente de Grave Digger. Aún así, comprendo que a los fans de Robert Plant les salga salpullido al oír este mítico tema en la rugosa voz de Chris Boltendahl.
El EP viene acompañado por un DVD con la actuación en el Machina 2001, no incluido en la promo que nos han hecho llegar, por lo que obviaremos esta parte.
Este adelanto cumple perfectamente su función de abrir boca para la próxima salida al mercado de “Liberty or Death” el próximo año. Los fans del grupo ya tienen algo que llevarse a los oídos y aliviar esta espera.
Web GRAVE DIGGER - Web Locomotive Records
SAME OLD "The r.e.m. phase" (2005)
Primer larga duración de los vitorianos Same Old, tras haber publicado anteriormente la maqueta “Same Old” (2001), y el EP “I´m still waiting” (2003) editado por el mismo Sello que sacó en el 2005 este “The r.e.m. phase”, los burgaleses Fragment Music. Grabado en abril de 2004 en los estudios Rimshot de Pozuelo de Alarcón (Madrid) por Carlos Lillo y mezclado y masterizado por Borja Burón (Zoo, ex-995) y Karim Burkhalter (estudios Heatroom).
A Fede Eguiluz (bajo), Daniel Arrizabalaga (batería), Jesús Villalabeitia (guitarra), Fran Orlando (órgano), Miguel A. Cle (guitarra), y José C. Porras (voz) se les cataloga dentro de las etiquetas del Emocore, Post Hardcore, Post Rock… ¿seguimos etiquetando? Mejor decimos algunos de los grupos por los que están influenciados, como Fugazi, Refused, At The Driven In, The Mars Volta…
Diez pistas, de las que la primera, “On the wall” (tema de Bruno Martelli Trio), y penúltima, “A moment before”, sirven de introducción y preámbulo al final, respectivamente, en las que escuchamos una amalgama de melodía, tristeza… (Emocore), junto a riffs y rabia vocal (Hardcore), además de toques de Rock (como por ejemplo en “Overrage”, con la colaboración de Dani Foronda a la guitarra). José lo mismo nos canta en los temas con suavidad y melodía, recordándome a veces a Eddie Vedder (Pearl Jam), que arranca con una furia desmedida.
“Decoder” y “The red curtain falls” nos dan las principales muestras de lo que he dicho en el párrafo anterior y que atesora este disco. “Crossword”, el tema más extenso, en ocasiones se hace denso. “Anesthesia”, “And… if this was the end”… hasta el final con “Awake”, nos siguen mostrándonos el buen trabajo que han parido los vitorianos. Y si a lo dicho le sumamos el atractivo y trabajado diseño del digipack (exceptuando las letras de los temas que se presentan en cuatro hojas separadas que se pueden perder y que sobresalen al colocarlas en su rajita, tras la portada) la compra debería estar más que segura.
Si ya hemos dicho más de una vez (y las que hagan falta) que la música Extrema tiene grandes grupos en nuestro país, a los que en la mayoría de ocasiones no se les hace el debido caso, lo mismo podríamos aplicar a la escena de grupos del estilo de Same Old.
NEIL YOUNG “Living with war” (2006)
La música, el arte, como vehículo de expresión, como portadora de ideas y mensajes. Neil Young no ha podido callarse más y ha utilizado lo que mejor sabe hacer para expresar sus ideas. Siete meses después de la publicación del bucólico “Prairie Wind”, Mr. Young ha plasmado todo lo que piensa de la administración Bush en un nuevo disco. Lo que eran “vientos de la pradera” ahora son “huracanes del infierno” porque a estas alturas el canadiense no tiene pelos en la lengua y ha soltado sin tapujos todas las verdades del barquero, directo en la frente, en un trabajo monotemático (esto si que es un disco conceptual) donde más que nunca la música se pone a servicio de la letra.
“Living with war” es, en propias palabras de Neil Young “un coro de cien voces y mucho metal” y eso es algo que podemos ver perfectamente en la canción más representativa del disco, “Let´s impeach the President” (eso es decir las cosas claras) aunque otras como “Looking for a Leader” o “Flags of Freedom” no se quedan atrás. Apoyado esta vez por algunos de sus habituales en otros discos como Rick Rosas al bajo, Chad Cronwell a la batería, Tommy Bray a la trompeta y, como decía, un coro de cien voces que le da al disco, junto a la temática, su marcada personalidad. “Living with war” es un disco básico, conciso y contundente, donde los coros dan el contrapunto a las ásperas composiciones de Young y que el carácter de inmediatas y espontáneas que tienen las coplas le vienen que ni pintado para transmitir su mensaje. En otras palabras y para ponerme yo a la altura de lo que digo: Que el tipo está “sembrao” vamos. Quizás la última copla, una especie de himno precioso cantado con una coral, desentone con el resto pero también le da color y variedad a la obra.
Una obra emotiva y hasta necesaria que está teniendo una polémica acogida (normal) al otro lado del charco, donde parece que abundan las personas con los ojos cerrados aunque no hay peor ciego que el que no quiere ver. Aquí vemos y oímos, vaya si vemos y oímos. Chapó por el tito Neil.
UFO “The Monkey Puzzle” (2006)
No puedo dejar pasar esta ocasión para, después de haberle pegado un buen repaso, y estar expectante después de dos buenos discos como fueron “You are Here” y “Showtime”, hablar de su reciente y último trabajo titulado “The Monkey Puzzle”.
Estoy hablando de UFO, mítica banda donde las haya, que parece haber retomado el pulso desde que Vinnie Moore se incorporó al grupo. De esto no hay duda, sus discos vuelven a pegar con fuerza, recobran madurez, y sus directos vuelven a tener elegancia.
Este disco te engancha, está cargado de feeling, con cierto aroma a blues, a música negra en algunas de sus partes y de una ejecución en la producción exquisita.
Abre el disco el tema titulado “Hard Being Me”, un temazo cargado de buen gusto, rock setentero y un estribillo que no olvidarás. El siguiente tema llamado “Heavenly Body” emana un sentimiento en las cuerdas de Vinnie Moore especial, y la voz de Phil Mogg está a la altura. Le sigue “Some Other Guy”, tema blusero, tranquilito, un tema que puedes ubicarle en el presente o hace 30 años, es igual, es el clásico tema para encender en el coche, bajar las ventanilla, respirar aire puro y conducir durante horas por una plácida carretera con destino a ninguna parte. Continúan con otro medio tiempo con un tema que se convierte casi en balada, muy ajustado para Phil Mogg y que probablemente podría incluirse dentro de esos recopilatorios “seductores” y que muchos odiamos que salen por Navidad, el título de esta canción es “Who´s fooling you”.
“Black and blue”, quinto corte, comienza con unas bases rockeras de corte clásico, algo acedecianas que me recuerda muchísimo al tema de la película “School of Rock”. Buen tema para directos, muy pegadizo y con nueva exhibición a las cuerdas.
“Drink too much” un tema que te hará pensar en tu chica, en esos momentos especiales, en fin, dedicado para disfrutar, cerrar los ojos y saborear cualquier aroma agradable. Puede ser el tema más sentimentalote, pero es una delicia, todo suena acompasado y se te quedará grabado para siempre.
“World Cruise” es un vacile de canción, casi tejano diría yo, fresco, divertido y lleno de “booggie-booggie”. Van cayendo uno tras otro los temas, y no hemos dejado de mover el pie, pues tampoco lo vamos a hacer ahora, entra como una bala “Down by the river” con una ejecución de Vinnie Moore que roza la matrícula de honor, en esta canción te das cuenta de que la banda se adaptó perfectamente a su estilo y que tienen personalidad propia, diferente al sonido “Schenker”. También he de decir que en este y otros temas echo mucho de menos la pegada de Jason Bonham, Andy Parker es buen batería en mi opinión, pero la pegada es otra, en eso seguro que coincidiremos todos.
Se aproxima el final del disco y esto ya suena a despedida. “Good Bye you”, es el tema más simplón, pero ni mucho menos un tema de relleno, simplemente te resulta sencillo, pausado, es el que menos me llena.
“Rolling Man” es el tema 100% UFO de principio a fin. Y para terminar “Kingston Town” un tema que nada tiene que ver con el resto del disco, es el tema más serio y más apagado, te sorprende un poco como cierre, pero bueno, sin tristezas, eso tiene fácil solución, comienza de nuevo por la primera canción y extrae más sustancia de este “The Monkey Puzzle” que sin llegar al nivel de clásicos, seguro que será una buena dosis de Rock and Roll y te demostrará que UFO siguen siendo una banda magnífica con una personalidad adquirida propia y con futuro.
Un disco brillante.
ESPECIAL “UNICORN RECORDS”. 2ª parte
Es tanto y tan bueno el material que nos envía esta discográfica canadiense especializada en rock progresivo y experimental que, por segunda vez, vamos a hacer un compendio de los últimos lanzamientos llegados hasta nuestra redacción, más que nada por no hartar al personal con halagos continuos durante varios días.
Aunque de algunos ya hemos comentado sus discos anteriores, como siempre se trata de grupos poco o nada conocidos por estas latitudes, pero que tienen calidad más que de sobra para darles sopas con ondas a muchos grandes nombres de nuestra música. Grupos que nunca serán de masas (aunque vete tú a saber…) pero que pueden hacerte pasar el mejor rato posible en esos momentos en los que necesitas desintoxicarte de tanto chupamicro y pop-moderno que reniega-del-heavy-que-le-dio-de-comer como hay por ahí suelto/a.
Si eres de los que gusta de ponerse los auriculares y dejarse llevar por las incomparables sensaciones que produce el rock en la más técnica de sus vertientes, aquí tienes 8 discos 8 de eso mismo:
KARCIUS “Kaleidoscope” (2006)
Segundo disco de esta banda de Montreal (Canadá) formada por Dominique Blouin (bajo fretless), Thomas Brodeur (batería y percusión), Simon L’Espérance (guitarras y percusión) y Mingan Sauriol (piano y teclados) que mezcla el rock potente con el progresivo y el jazz-fusión.
Se trata de ocho composiciones instrumentales, largas y muy complejas en cuanto a ritmos e instrumentación, variedad de ambientes y riqueza de sonidos. En algunas ocasiones cercanas al metal más pesado (“A-0-14”) y en otras totalmente inmersas en el rock progresivo más clásico (“Hypothèse A”), pero siempre bañadas en un jazz muy marcado por el bajo fretless (sin trastes).
Más en www.karcius.com. Divino de la muerte.
KARFAGEN “Continium” (2006)
Karfagen (nombre antiguo de Cartago) es un grupo procedente de Ucrania, formado en 1997, cuyos músicos se hacen llamar Anthony Kalugin (teclados, percusión y voces, prolífico músico que compuso 40 discos entre 2003 y 2005, todos ellos publicados en Rusia y Ucrania), Oleg Polyanskiy (teclados), Sergei Kovalev “Tuz” (bajo, acordeón y armónica) y Kosthya Shepelenko (batería).
Hacen una especie de art-rock o rock sinfónico con casi total ausencia de guitarras (y las que hay son acústicas), pero con teclados por doquier en sus más variados sonidos. Diez temas cortos pero unidos en una sola obra, instrumental, con múltiples cambios de tono al más puro estilo Mike Oldfield (a quien recuerdan en bastantes pasajes) y con momentos intensos de teclados distorsionados powered by E,L&P.
Aunque pueda parecer lo contrario por la instrumentación, es un disco para nada aburrido, todo lo contrario, entra muy bien y se hace bastante corto. Recomendado especialmente para momentos cabalísticos. Genial.
KOPECKY “Blood” (2006)
Procedentes de los U.S.A. Tres hermanos llamados William Kopecky (bajo, teclados y sitar), Joe Kopecky (guitarra) y Paul Kopecky (batería y percusión). Este ya es el quinto disco de un grupo con solera que ha girado con gente como Porcupine Tree, Planet X, Spock’s beard, Flower kings o Uriah Heep entre otros.
También se trata de un disco instrumental, esta vez en clave de heavy retorcido, progresivo, demostrando que la formación básica de trío en clave de rock no tiene por qué ser simple como el mecanismo de un chupete (ahí están también Freak Kitchen para apostillarlo).
Esto es lo primero que escucho del grupo, por lo tanto no puedo evaluar su evolución ni compararlo con anteriores obras. Sin embargo, la conclusión más evidente de la escucha de este disco es que se trata de una propuesta original de tres grandes músicos. Muy buen disco.
Si os dais una vuelta por www.kopecky.8m.com tenéis más.
NIL “Quarante jours sur le Sinaï” (2006)
NIL se convirtieron con su anterior disco “Nil novo sub sole” (ya reseñado por aquí en su momento) en el grupo más vendedor en los ambientes del nuevo rock progresivo. Con este segundo me da la impresión de que no han llegado al nivel compositivo del anterior, aunque estamos hablando de un trabajo realmente bueno de estos franceses.
Es un trabajo muy experimental, con muchas reminiscencias de los King Crimson más clásicos, bastante difícil de digerir en algunos momentos y con unas armonías de lo más enrevesadas, en las que el bajo y la guitarra dibujan melodías desquiciantes bajo la sensual voz de Roselyne Berthet.
El resto de músicos siguen siendo Benjamín Croizy (teclados), David Maurin (guitarra y flauta), Samuel Maurin (bajo y stick) y Frank Niebel (batería y percusión). Su web: nilweb.free.fr/Nil.html
PICTORIAL WAND “A sleeper’s awakening” (2006)
Pictorial Wand es un proyecto de rock sinfónico-progresivo, cuyo primer disco, este “A sleeper’s awakening”, ha tardado tres años en ser ideado, compuesto y grabado. Se inició en Noruega en 2003 por su alma-máter Mattis Sörum (guitarras eléctrica y acústica, sitar, teclados y arreglos orquestales), con la idea de parir una obra conceptual. De hecho, el álbum gira alrededor de una persona cualquiera que, haciendo un examen de conciencia, llega a la conclusión de que ha cometido tantos errores que le han llevado a vivir una vida equivocada. De los siete pecados capitales los tiene todos (como Robe de Extremoduro…), y es la voz de él mismo siendo niño (cuando todavía era un ser casto y puro…) quien le va recordando todas y cada una de las meteduras de pata. En fin, una historia un poco escatológica, pero efectiva.
Los músicos que han intervenido son, aparte de Mattis Sörum, Tomas di Sansimone (batería), Idar Eidsaune (bajo) y Paal Selsjord (teclados), además de una orquesta sinfónica y nueve cantantes (casi todo voces femeninas) que son quienes dan vida a los distintos personajes que van apareciendo en la obra.
Es un disco para escuchar de tirón. Las canciones tienen menos sentido si se las separa del contexto por lo que, como digo, es recomendable tragarse el doble CD de una sentada. Pero tranquilos, que no empacha. Sin llegar a ser una maravilla, tiene muchos momentos brillantes y el conjunto es un gran disco, no tanto por las habilidades instrumentales como por la sucesión de pasajes sinfónicos realmente inspirados.
En www.pictorialwand.com tenéis más información.
RETROHEADS “Introspective” (2006)
Si hay un grupo que busque desesperadamente el sonido de las grandes bandas progresivas de los ‘70, esos son los noruegos Retroheads. Utilizan instrumentos tales como Hammond B3, Mellotron, MiniMoog etc. para darle forma a unas composiciones que navegan entre los Uriah Heep más lisérgicos, unos Pink Floyd recién salidos del “Wish you were here” y los Genesis de Peter Gabriel, con elementos de otros grupos cual crisol de estilos. El resultado es otro gran disco, algo diferente del primer “Retrospective” del año pasado (también comentado por aquí), pero mejorando aquel.
Creo que este es uno de los grupos progresivos que debería ocupar el espacio que han dejado libres los grandes nombres de los ‘70 que han sobrevivido a los ‘90 pero que cada vez van distanciando más sus obras. El mismo espacio que Marillion dejaron escapar o que se ha desplazado hacia terrenos más duros con Dream Theater.
Retroheads son Mike Mann (voz principal), Ann-Kristin Bendixen (coros), Deborah Girnius (flauta y coros), Tommy Berre (guitarras), Gry Anett Stordahl (Hammond B3 y coros), Tore Bo Bendixen (bajo y teclados) y Trond Gjellum (batería).
Es un placer escuchar cosas de estas. Su web: www.retroheads.com
SPACED OUT “Unstable matter” (2006)
Spaced out son otro de los grupos que llevan ya bastante tiempo luchando contra los elementos por hacerse un hueco en las estanterías de los amantes del rock en general y de su acepción progresiva en particular. Este es su cuarto álbum, en el que desarrollan su particular visión de la música en forma de jazz-rock instrumental muy heavy y lleno de detalles.
Muy buen trabajo instrumental, en particular de la batería (con una riqueza de golpes impresionante), aunque el resto de instrumentistas dominan sus respectivas herramientas a la perfección, condición indispensable para hacer esta música y cuestión que suele ser habitual en este tipo de grupos, aunque a veces no basta para hacer que un disco sea mínimamente interesante. No es este el caso, porque de principio a fin es una orgía constante de notas y sonidos en su sitio que dan forma a 10 temas que pueden ser la envidia cochina de cualquiera que pretenda componer con un mínimo de criterio.
Los genios del asunto son canadienses de Montreal, y se hacen llamar Antoine Fafard (bajo), Martin Maheux (batería), Mark Tremblay (guitarras) y Eric St-Jean (teclados). En www.spacedoutmusic.com tenéis bastante información, fotos y demás.
XINEMA “Basic communication” (2006)
Xinema son suecos, y muestran la cara más melódica del rock progresivo. Pero ojo, que melódico no es sinónimo de pérdida de fuerza, sino más bien de complemento perfecto a una buena voz, y si está empastada en el universo sonoro de alrededor, tanto mejor.
El grupo lo forman tres amiguetes llamados Jonas Thurén (batería y voz), Mikael Askemur (voz solista, guitarras, bajo y teclados) y Sven Larsson (guitarra solista). Durante los ‘80 formaban parte de un grupo sueco llamado Madrigal, pero fue en 1999 cuando decidieron montar Xinema. Son gente, por lo tanto, curtida, cuya música bebe de fuentes como Rush, Genesis, Kansas, Styx o Yes, y además se dejan notar las influencias con cierto orgullo.
El disco es una maravilla sonora. El mejor rock melódico con retazos de los grupos antes nombrados y con progresiones de cosecha propia, todo envuelto en una magnífica producción, elegante y sofisticada. A veces me pregunto ¿dónde se meterían todos estos grupos durante tanto tiempo?, y el resto del mundo sin escucharles… Imperdonable.
Si queréis descubrir a tres músicos expertos y con buen gusto, daos una vuelta por www.xinemaworld.com. Grandísimo disco.
Y si os interesa el rock progresivo, en la web de Unicorn Records (www.unicorndigital.com) hay información de todos estos grupos y otros cuantos del catálogo de esta gente, que se lo curra como nadie. Mi agradecimiento personal por permitirme descubrir tanta maravilla musical.
Salud.
SABATAN “Fire Angel” (2005)
Me vais a permitir que haga un breve viaje atrás en el tiempo. En concreto hasta 1982, cuando yo era un mozalbete imberbe que no hacía mucho tiempo había descubierto el Rock. Andaba yo en la emocionante tarea de aprenderme de memoria cada surco de mis primeras adquisiciones discográficas de grupos como Deep Purple, Led Zeppelín, Leño o Barón Rojo, y mi sed por conocer nuevos horizontes era insaciable. En estas, un amigo vino de una pequeña estancia en Londres, y me citó en su casa para contarme cosas del viaje. Afortunadamente, trajo bajo el brazo un par de discos que cambiaron mi vida.
- ¡Hostias, como mola esta portada!
- Pues ya verás como suena, en Inglaterra están que no cagan con ellos.
Mi amigo César pinchó aquel disco de portada impactante, y yo no podía creerme lo que salía por los altavoces.
- ¡Tío, esto es impresionante, vaya caña que tienen!
- Ya te digo que en Londres son la nueva sensación, ya sabía yo que te iba a gustar.
- ¿Y cómo dices que se llaman?
- Iron Maiden.
- Pues sube más el volumen, esto hay que escucharlo a todo trapo.
- No puedo subirlo tío, mi hermano el pequeño tiene 2 años y está durmiendo en la habitación de al lado...
Efectivamente, aquel día descubrí a Iron Maiden, quienes se convirtieron en mi grupo favorito durante muchos años.
Hoy, 2 décadas y media después, hace años que perdí la pista a mi amigo, pero mantengo mi pasión por Iron Maiden.
Las vueltas que da la vida. A aquel niño pequeño que dormía plácidamente mientras nosotros flipábamos con Steve Harris y compañía me lo encuentro ahora, más de 20 años después, atronando mis altavoces. Se trata de Eduardo Olmos, cuya poderosa batería retumba en mi pecho y es, sin duda, uno de los alicientes más destacados del disco. Quien me lo iba a decir... El resto de la formación la componen Marco Marouco (bajo), Ricardo Ruiz (guitarra), David Ballester (guitarra) y Miguel Corte-Real (voz), cantante también del grupo portugués Arya. Desgraciadamente, David Ballester murió hace unos meses, algo que dejó lógicamente conmocionado al grupo, que hizo un concierto de homenaje en su memoria.
Sabatan no son unos recién llegados. Llevan desde el año ’95 en esto, y son referencia al contar en su primera formación con Elisa Candelas, más tarde en Dark Moor y actualmente en Dreamaker. La formación ha sufrido varios cambios y han editado varias maquetas, una de las cuales, “Metal louder” (2001) fue reseñada en su día en esta web.
Duros, contundentes y enérgicos, Sabatan conciben el Heavy Metal con mucha caña y mala leche, a veces tanta que llegan a sonar un tanto atropellados, adentrándose por momentos en el Thrash Metal e incluso más allá. La contundente batería de Eduardo Olmos lleva al grupo por caminos tortuosos, apoyado por el bajo de Marco Marouco. Las guitarras de Ricardo Ruiz y David Ballester se complementan bien, con algunos momentos de lucidez personal, pero trabajando más en pos del conjunto resultante. La voz del portugués Miguel Corte-Real, más un invitado que un miembro permanente, suena rabiosa, recordando notablemente a Paul Di’Anno
La rabia y contundencia de las canciones no hace que éstas sean simples, sino que están muy trabajadas, con muchos cambios de ritmo y partes diferentes en cada tema, señal de la madurez del grupo, sobre todo en temas como “Memories”, donde dejan ver influencias de Iron Maiden y Judas Priest, combinándolas con su propio estilo, y la rocanrolera “Live on”, quizás el mejor tema del disco.
El disco tiene vocación internacional, tanto es así que no sólo las letras, sino incluso todos los créditos del disco están en inglés.
Las últimas noticias que nos llegan de la banda nos hablan de la vuelta a la formación de Octavio, un antiguo bajista de Sabatan, el paso de Marco a la guitarra y la posibilidad de integrar a un cantante definitivo.
Ojalá Sabatan logre estabilizar su formación para convertirse en una banda grande e importante. Ganas no les faltan.
DARKEMIST "Mindseek" (2004)
El Death Metal melódico concebido primeramente en la fría Suecia se ha ido expandiendo a lo largo de los últimos años por todo el Mundo y en Chile no ha sido menos.
En 1995 los hermanos Carlos y Fernando Espejo (bajo y guitarra, respectivamente, y procedentes de Brasil) conocen en el colegio a Juan Luis Burquez (vocalista), Fran Muñoz (batería) y Piero Dittus (guitarra). Comienzan a ensayar y dan forma a Hate. En 1998 graban su primera maqueta “Black blood”. Es en el 2001 cuando deciden cambiar el nombre por el de Darkemist (resultado de unir las palabras Dark y Alchemist) y comienzan a registrar su primer larga duración. Les cuesta editar el CD, pero finalmente lo hacen ellos a finales de 2004. Haciéndose cargo de la distribución mundial y promoción Risestar Music en el 2005. Tras la grabación del disco entra de manera oficial María Fernanda Mánquez a los teclados. Pero anteriormente, en el proceso de grabación, a principios de 2003, Fernando Espejo decide abandonar, siendo sustituido, tras unos meses de búsqueda, a la guitarra por Pablo Ciudad. A principios de este año 2006 Piero también deja el grupo.
Con “Mindseek” me sucede lo que últimamente me viene pasando con muchos discos y grupos actuales. La banda suena compacta, el sonido es bueno, con más valor siendo la grabación autofinanciada por la banda, aunque mejorable… pero escuchas y escuchas el disco y las composiciones apenas calan en uno. Sensación de perder el tiempo escuchando esos temas, porque suenan a miles de grupos, y para eso lo mejor es escuchar a los pioneros o a los que aportan algo más, aunque sea mínimo. Y la formación no es para nada mala, pero deberían intentar buscar algo de originalidad o hacer las composiciones atrayentes. Cerca de treinta y nueve minutos en los que los chilenos lo hacen bien, pero sin que te llame la atención apenas algún tema. Ni tras la introducción ambiental y posterior caña de “Down”, uno de sus temas más reconocidos, ni con la atroz “Parasite”… hay algo que destacar en los once cortes. Si acaso la base potente y opresora mezclada con velocidad brutal en “Turning your life into my hatred” y la pista que cierra el CD, “Coming back”, que es simple Death Metal con constantes cambios de ritmo y que no está nada mal.
Desconozco si hay bastantes grupos por Sudamérica de Death Metal melódico, pero por Europa hay a montones y lo que nos ofrecen Darkemist está más que trillado. Esperemos que sepan progresar en su música y aportar algo más con su segundo trabajo.
MÄGO DE OZ “Rarezas” (2006)
Si tu grupo no tiene un disco de rarezas ni tienes grupo ni tienes ná. El disco de rarezas es algo que da pedrigree y clase y no hay banda de primer nivel que no lo tenga y Mägo de Oz no iba a ser menos, así que aquí lo tenemos aunque no sabemos hasta qué punto con su consentimiento. Ironías aparte, Locomotive Records lo único que ha hecho ha sido sacar un producto el mercado, un producto que puede ser interesante para algunos fans de la banda (a otros directamente les sale espuma por la boca pensando que alguien se aprovecha de “su” banda) porque en él están compiladas, como su título indica (perogrullo), aquellas coplas “raras” que salieron en discos de versiones, como caras B, directos, etc... Un sacacuartos, que dirían los que todavía no saben que no es obligatorio comprar todos los discos, que se puede elegir (hay que explicarlo todo).
Del contenido poco que decir, variado en todos los aspectos. Los que ya sabemos como se las gastan estos tipos con las versiones no queremos volver a oír como destrozan a Rainbow o Zeppelin pero la verdad es que el disco viene bastante completo, con veinte coplas y con la posibilidad de tenerlas todas juntitas. Incluso se incluye la sintonía de aquel famoso programa de radio (que yo nunca llegué a escuchar) llamado “La Rosa de los Vientos”.
Y no hay más, que cada uno haga de su capa un sayo y actúe como le dé la gana, que parece que a más de uno le va la vida en ello. Desde luego si te gusta Mägo de Oz y no eres uno de esos Die Hard Fans que lo tienen todo y darían su sangre por Txus si hiciera falta, esta es una buena oportunidad de hacerte con todos esos temas que tienen desperdigados. Si no eres fan de Mägo de Oz dale al “scroll” del ratón y pasa a la siguiente reseña.
FITO & FITIPALDIS “Por la boca vive el pez” (2006)
Previsible disco de Fito, quien sigue buscando la manera de hacer distinta a la anterior cada obra que publica, cuestión esta bastante difícil ya que tiene un estilo tan marcado que siempre sabes lo que te vas a encontrar, para lo bueno y para lo malo.
Sin embargo, en esta ocasión ha sido capaz de darle un toque mucho más fresco a unas canciones que siguen el mismo patrón de siempre, y todo gracias a que ha sido grabado en directo, con todos los instrumentos a la vez, solamente añadiendo algún que otro retoque o regrabación de alguna parte, lo que hace que los temas sean maravillosamente imperfectos o, como diría él mismo, que estén ‘vivos’.
Sigue sonando a blues-rock and roll y rhythm’n’blues con un swing muy cercano a Dire Straits en unas ocasiones, y en otras a los grandes del rockabilly de los ’50, con letras maduras e intimistas y un aire en general de buen rollo que hace muy agradable la escucha.
Como viene siendo habitual también alguna que otra versión, esta vez se trata de “Deltoya” de Extremoduro, parecidas lo mismo que un huevo a una castaña, lo que la hace tremendamente atractiva. También se incluye una revisión mejorada del tema que ya apareciera en el disco de Extrechinato y tú “Abrazado a la tristeza”, con Fito a la voz y guitarra acústica y Carlos Raya con el weissenborn, que viene a ser una guitarra acústica o clásica pulsada bien con dediles de acero o con bottleneck, o con las dos cosas, lo que le da un punto melancólico y la convierte en una de mis favoritas del disco.
El DVD de acompañamiento incluye una galería de fotos de la grabación, el clip de “Por la boca vive el pez” y un entretenido “making off” del disco, con lo que te puedes hacer una idea bastante aproximada de cómo fue aquello y, además, le da un plus de comprensión a las canciones del álbum. Muy interesante.
Quizá en esta ocasión haya dotado al disco de mayor variedad en cuanto a ritmos y ambientes pero, como decía, sigue siendo el mismo Fito de discos anteriores por lo que, si os gustaron sus obras pasadas, esta será una buena adquisición. A mí me cansa un poco.
UZZHUAÏA “Uzzhuaïa” (2006)
Si el mundo del rock fuera libre y se rigiera únicamente por criterios cualitativos, Uzzhuaïa sería un grupo puntero instalado en la primera división del rock nacional. Desafortunadamente, multitud de factores externos a la calidad de los grupos hacen que el talento no sea garantía de éxito.
Tres años después del excelente “Diablo Blvd.”, Uzzhuaïa vuelven a la carga con un disco homónimo que no dejará indiferente a aquel que se aventure en su escucha. En estos tres años han peleado contra las adversidades, como fue el robo de todo su equipo, y se han pateado pequeñas salas del territorio nacional. Hace poco nos enviaron el EP “No intentes volver atrás”, que nos entusiasmó, adelanto de este “Uzzhuaïa” del que os hablo ahora.
Cumpliendo las expectativas que nos abrió “No intentes volver atrás”, el disco es brillante. El grupo ha conseguido el equilibrio perfecto entre la solidez de una formación estable y la frescura de un grupo nuevo lleno de ganas. La formación es la misma que en el anterior “Diablo Blvd.”, ahora mucho más rodada, y es que Pablo Monteagudo (voz), Israel Ferrer (guitarra), Alex (guitarra), Álvaro Monteagudo (bajo) y José (batería) funcionan como un único ente, una máquina de rock and roll finamente ajustada, plena de potencia.
Las referencias a grupos como The Cult son innegables (y si no, escucha temas como “No intentes volver atrás”), pero esas influencias no hacen sino adornar el trabajo de un grupo maduro. Los mejores momentos los viven en temas cañeros y contundentes como “Más allá”, “Perdido en el huracán” o la trepidante “La cuenta atrás”, donde hacen gala de una energía increíble. Digna de mención es la afortunada versión de “La chispa adecuada” de Héroes del Silencio, con una exhibición vocal impresionante por parte de Pablo Monteagudo, algo que se puede extender al resto del disco, mostrándose como uno de los cantantes más en forma de la actualidad. Tampoco podemos dejar de destacar “La otra mitad”, donde bajan las revoluciones para construir un tema emotivo y pasional, lleno de sentimiento.
Envuelto en un bonito digipack y disfrutando de un buen sonido, “Uzzhuaïa” es una excelente opción para aumentar tu discografía personal y para demostrar que dentro de nuestras fronteras se siguen haciendo productos de calidad.
CIRCUS “Laberinto” (2006)
Segundo trabajo de los madrileños Circus, en la línea que ya apuntaba el anterior. Sonido a caballo entre el rock y el pop todo bien recargado de lo que ahora viene a llamarse “música gótica” aunque aquí las bases están mucho más cercanas a los principios de los ochenta que a todas esas bandas de metal “pseudo gótico” que pululan por el espacio.
Sonido cuidadísimo, pulido al máximo, sin aristas, perfecto para las también cuidadas composiciones. Coplas que pueden recordar, vagamente, a cosas como los Paradise Lost más calmados, Sister Of Mercy o incluso, en la distancia, Héroes del Silencio y hasta Radio Futura aunque sólo sea en el concepto de algunas de las piezas. Eso sí, siempre sin la sensación de copia o plagio porque al fin y al cabo Circus suenan a Circus. Todas las coplas podría ser destacadas aunque yo personalmente me quedo con “Secretos” que en mi opinión es la más “redonda” de todas aunque la siguiente, “Renacer”, plena de poderío, también puede valer.
En definitiva, “Laberinto” es el trabajo de una banda que sabe perfectamente lo que tiene entre manos, lo que quiere y como llevarlo a cabo. También es un trabajo muy personal, dentro de un estilo ya de por sí bastante particular, de esos que lo tomas o lo dejas pero que deja claro desde el principio que Circus es algo más que un proyecto.
Web CIRCUS - Web Locomotive Records
MEDINA SONORA “Vol. 4: Fugaz (cortos sonoros)” (2005)
Soy un entusiasta de la idea, lo reconozco. Me corroe una envidia –sanísima- y me gustaría que se repitiera en otros sitios, pero no en todas las ciudades se ponen manos a la obra de forma tan decidida como en Medina del Campo.
En esta ocasión se trata, con motivo de la 18º semana de Cine, de un CD+DVD de cortos cinematográficos realizados sobre música de los grupos de la localidad. Algunos de ellos de gran calidad, incluso con la participación de actores de primera fila como Anabel Alonso, Álex Angulo o Pilar y Javier Bardem, entre otros, que convierten cada clip en una pequeña obra de arte y lo hacen sumamente interesante.
En lo musical, como siempre, se tocan casi todos los palos. Hay grupos de pop básico como Mowen pick, McKanan, Nylon 66, Prozack o Noviembre, quienes le dan un toque algo más oscuro y melancólico en una gran canción como “Retrato”. Hay otros de power pop como La kabeza peca, los buenísimos Molsaicos, Los Siphones (qué buen tema su “Eterna afición”) y La vena del gusto; rock psicodélico a cargo de Hoka Hey,; el Hip-hop de Mofo, la pachanga de Los Desgraciaus, el Revival sesentero de Los Repetidores o Dorindo y Los Flemáticos, Punk-rock de Exkrementes y Los idiotas y Thrash metal ochentero a cargo de K-in.
En general gran nivel, superior incluso a otros volúmenes de Medina Sonora, incluido el vol. 5 (hago esta reseña justo después de publicarlo, con un año de retraso con respecto al vol. 4, cosas que pasan…), porque, además de la gran idea de todo este montaje, y a pesar de algunas deficiencias de ejecución en algunos grupos, sobresale la originalidad de la mayoría de las propuestas y hace poner el CD una y otra vez.
Daos una vuelta por: http://www.valladolidwebmusical.org/medinasonora/ si queréis saber más sobre el asunto.
Gracias por echarle tantas narices.
MEDINA SONORA “Vol. 5: Erótica sonora” (2006)
Esta gente se supera año tras año. En esta ocasión la cosa va de doble CD+DVD, editados con motivo de la Semana de Cine de Medina del Campo, como siempre, pero con mayor nivel en las grabaciones y en los clips, lo que pone el broche de oro a una idea espectacularmente buena por doble motivo: por un lado se combina cine y música, dos de las “siete artes” que alguien dijo por ahí, y por otro es una magnífica iniciativa para dar a conocer la música de los grupos de la localidad con, probablemente, la mayor densidad de bandas por metro cuadrado del país, cada una de su padre y de su madre, pero compartiendo desde el local de ensayo o el material hasta los objetivos y la ilusión por hacer algo que se antoja único.
En esta ocasión se trata de combinar películas eróticas con canciones del mismo palo (El vol. 3 eran películas de terror, en su día reseñamos en la web y que podéis ver aquí). Para ello se han grabado 22 canciones de otros tantos grupos, incluidas en los 2 CDs, que vienen a ser el audio de los 22 video-clips que aparecen en el DVD, clips caseros en los que se mezclan imágenes de otras tantas películas eróticas con las de los grupos, bien tocando o bien haciendo el ganso, con resultado desigual.
Además de todo esto, el DVD se completa con un documental en el que, en clave local, algunos personajes de la música pop-rock de Medina del Campo rememoran vivencias personales y cuentan pedazos de la historia musical de la ciudad. También se les toma declaración a los grupos que participan en el proyecto, quienes se despachan a gusto sobre determinados temas relacionados con la música, en algunas ocasiones con reflexiones un tanto desafortunadas… pero espontáneas y sinceras.
Desde la pachanga más hortera de Los Desgraciaus hasta el punk-rock cachondo de Los Exkrementes, el hip-hop de La Kabeza Peka o el buen pop-rock de Los Molsaicos (grupo realmente interesante, por cierto), todo cabe y hace suficientemente variado el contenido de los discos, especialmente indicado para esos momentos del mes en los que se tienen las orejas y la mente más abiertas y andas un poco saturado de lo de siempre.
No se trata de analizar lo bien o mal que lo hagan cada grupo, ni de la calidad musical o del resultado cinematográfico del asunto. Aquí de lo que se trata es de apoyar la iniciativa, de alentarles a que sigan con la idea y de disfrutar escuchando una música en ocasiones original, en otras un poco paliza y en otras inclasificable.
Un 10 para la Asociación de Músicos Independientes de Medina del Campo, Medina Sonora, por la iniciativa y por el resultado.
Si queréis saber más del asunto, visitad www.medinasonora.tk.
MIRADA DE ÁNGEL “Secretos del Espíritu” (2006)
Hace algún tiempo comentábamos por aquí el disco debut de Mirada de Ángel. Aquel intento, producido con sus propios medios, mostraba tener ciertos defectos de juventud y, sobre todo, adolecía de tener un deplorable sonido que tiraba por tierra la mayor parte de su esfuerzo.
Dos años más tarde, este grupo del municipio burgalés de Aranda de Duero vuelven a la carga con este “Secretos del Espíritu”, ahora bajo la tutela de ExpoRock Music. Este disco, afortunadamente, tiene mucha mejor calidad sonora que el anterior, aunque sigue sin convencerme el sonido de la batería y al resto de instrumentos les falta, en general, algo de fuerza. Sin embargo, el salto cualitativo producido en estos años es más que notable, no sólo por la mejora en la producción, sino en la mayor madurez y, en definitiva, calidad, que atesora el grupo en estos momentos.
Mirada de Ángel cuenta con los mismos componentes que grabaron su primer disco, es decir, Víctor Aceña (voz), Alberto Ibáñez “Hippy” (bajo y coros), Agustín Arroyo (guitarra solista y coros), Ismael Sanz (guitarra rítmica y coros) y José Caballero (batería), e incluyen en este disco los teclados de Isabel Ardid. Tampoco se ha producido ningún cambio estilístico, continúan haciendo Heavy Metal bastante clásico con mucha melodía, sobre todo a nivel vocal, y mantienen las virtudes (que las había) en su disco debut, como los trabajados estribillos a varias voces. Además, han conseguido pulir algunos de los defectos que señalamos en su día, sobre todo en la persona de Víctor Aceña, que se ha olvidado de soltar agudos sin sentido y se ha convertido en mucho mejor cantante de lo que era. El resto de músicos también destaca algo más, aunque solo sea porque ahora sí que se distinguen claramente los instrumentos, superado el batiburrillo sonoro de su anterior CD.
Los temas pecan de falta de originalidad, siguiendo la senda recorrida una y mil veces por tantos grupos a lo largo de los años, pero no creo que sea su intención reinventar el Heavy Metal, sino dentro de él hacer buenas canciones. Y por momentos lo consiguen. La voz de Víctor Aceña y sus acertadas melodías vocales son el máximo aliciente del disco, brillando de forma especial en temas como “Arropados por la luna”, la cañera “Reconquista” o “Asesinos”, que cuenta además con una buena parte instrumental intermedia. Mención especial merece “Hasta que se apague el sol”, un medio tiempo muy emotivo con una gran interpretación tanto de Víctor Aceña como de Isabel Ardid, convirtiéndose en la mejor canción del disco y la que más se aparta de la firme pero estrecha línea compositiva del disco.
El CD anuncia 11 temas, pero contiene un duodécimo. Ignoramos el motivo de ocultar su nombre, pero es toda una sorpresa, un gran tema, de los destacados del disco, muy trabajado y con acertados cambios de ritmo de la escuela Maiden.
“Secretos del Espíritu” es el segundo paso en la carrera de Mirada de Ángel. Han cumplido la obligada meta de superar el primero, y no estaría mal que les dierais una oportunidad.
Web MIRADA DE ÁNGEL - Web ExpoRock Music
MOTÖRHEAD “Kiss of Death” (2006)
He intentado escribir estas líneas bastantes veces ya. Pero cada vez que llegaba a la tercera o cuarta línea, el resultado era invariable. Lo único que salía del teclado era una ristra interminable de tópicos sobre Lemmy en particular, y Motörhead en general, que todos nos sabemos de memoria ya (yo mismo los he repetido una y otra vez en anteriores críticas). Y esta vez no me da la gana. Así que he llegado a la conclusión de que si lo que tú estás buscando, amigo lector, es una crítica objetiva del disco, será mejor que busques en otro sitio, porque aquí todo lo que vas a leer viene directamente de un corazón tatuado con el Ace Of Spades.*
“Kiss Of Death” es otra batalla ganada por Motörhead en su inútil, pero heroica, guerra contra el tiempo. En términos de Michael Moorcock, el Campeón Eterno contra Los Tiempos Pasados, Los Tiempos Futuros, La Ley, el Caos y la Madre que los Parió. No hay ninguna banda (ahora seguro que me mencionareis cuatro o cinco, que os conozco) que tras 31 años siga a este ritmo, sin haber parado ni un minuto nunca. Motörhead siempre han vivido al límite, sin importarle las barreras en el camino, siempre con el acelerador a fondo y a toda potencia. Y “Kiss Of Death” es tan potente como cualquiera de sus discos anteriores, y si no compruébalo con “Sucker”, el tema que abre el disco, puro metal en la línea de los grandes momentos de “Bastards”, “Sacrifice” y “Overnight Sensation”. La producción, en su punto, respetando la suciedad de la banda pero reflejando su poderío. Como siempre, destaca el fenomenal sonido de la batería de Mikkey Dee, mientras que Lemmy y Campbell continuan en su línea simple pero efectiva. En la misma onda de “Sucker” van temas “Trigger” y “Going Down”, la dosis de velocidad y agresión sonora que todos esperamos de un disco con el Snaggletooth en la portada. Pero no es la caña la tónica dominante en “Kiss Of Death”. Este disco baja un poco las revoluciones respecto al demoledor “Inferno” y se centra más en el aspecto rockero de la banda. Destacan especialmente “One Night Stand” (I been a slut all my life / Wish every night was a one night stand, qué maestro) y “Be My Baby”, que espero y deseo tengan su hueco en los próximos set list de la banda. Por contra, “Christine”, un tema que prometía ser otro clásico bailable de la cabeza motorizada, se queda insulsa, sin gracia y fácilmente olvidable. Junto a ésta, alguna que otra canción como “Under The Gun” (en la que colabora Mike Inez) o “Living In The Past” caerán fácilmente en el olvido. Este es el punto flaco de este nuevo disco, aunque hay grandes temas, también hay un poco de relleno para hacer un buen bocata. Por eso, inevitablemente, “Inferno” (que es prácticamente perfecto de principio a fin) siempre va a ganar la partida contra este “Kiss Of Death”, tal y como “Iron Fist” la perdió con “Ace Of Spades” hace ya 25 años.**
Dejo para el final “God Was Never On Your Side” (con solo de C.C. Deville de Poison incluido, bastante majo ***), la típica sorpresa (que ya no sorprende a nadie) de los últimos discos de Motörhead, una balada llena de rabia en la que Lemmy (que por cierto, ha mejorado bastante las melodía vocales con respecto a trabajos anteriores) apunta con el dedo directamente al barbas por tantos y tantos males en este mundo.**** Un tema simplemente espectacular.
Antes de acabar, me gustaría destacar la cuidada presentación del libreto, repleto de dibujos realizados por el mismo Lemmy y de apocalípticas frases en latín repartidas entre las letras. Aparte, la edición limitada contiene una TREMENDA versión del “Whiplash” de Metallica, que va a hacer que James Hetfield desee no haber dejado nunca el vodka, seguro.
En fin, para unos va a ser lo de siempre, y para otros incluso peor que lo de siempre, pero para unos cuantos es una muestra más de que aun se puede hacer música sin mirar a nadie, simplemente siendo uno mismo. Aunque hayan dos o tres cortes que no aguanten el tipo, lo demás es Motörhead al 100%, y eso es mucho, muchísimo.
Long Life Lemmy & Motörhead
* No, no tengo ningún tatuaje en el corazón, sólo era una metáfora, así que no llaméis a Antena 3 todavía.
** Por aquel entonces, el que escribe, ajeno a la comparación entre sendos discos, se dedicaba a eructar, cagar y dormir todo el día. Estaba claro que de mayor iba a ser heavy.
*** El solo, al señor Deville no tengo el placer de conocerlo.
**** Ya se que lo habíais pensado todos, pero no, no estamos hablando de Mariano Rajoy.
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