Ar-Az
| ARANTAXIA Silencio (2003) |
| ARCH ENEMY Wages Of Sin (2002) |
| ARENA Pepper's ghost (2005) |
| ARS AMANDI Autóctono (2003) |
| ARS AMANDI En tierra firme (2004) |
| ARS AMANDI Camino al destino (2005) |
| ARWEN Illusions (2004) |
| ASHRAM Shining Silver Skies (2006) |
| ASIA Silent Nation (2004) |
| ASPID 29-05-04/En vivo (2004) |
| ASPID Latiendo en Vivo (2004) |
| ASTRAL DOORS Evil is Forever (2005) |
| ASTRAL DOORS Astralism (2006) |
| ATARAXIA & AUTUNNA ET SA ROSE Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo (2005) |
| ATOMIC BITCHWAX, The 3 (2005) |
| AUDIOSLAVE Audioslave (2002) |
| AVALANCH Las Ruinas del Edén (2004) |
| AVANTASIA The Metal Opera (2001) |
| ÁZIDO SULFÚRICO Poemas malditos (2006) |
ARANTAXIA “Silencio” (2003)
Heavy Metal, Power Metal europeo, pizcas de Rock sinfónico, Metal progresivo, Thrash... toda esa variedad de estilos puedes escuchar a lo largo de los temas que componen el estreno discográfico autoeditado de la formación madrileña Arantaxia (el nombre proviene del concepto filosófico ataraxia, pero al haber una formación con ese nombre, al final se optó por el actual).
Si el disco hubiese aparecido en la época en la que se llevaba el vinilo hubiese salido como un mini LP, puesto que la duración total es de cerca de 31 minutos. La primera pista del CD en realidad son dos temas (“Intro” y “Demente”) unidos en uno solo. El primero es, como su nombre indica, una introducción de teclado sonando a Rock sinfónico que luego se torna a música que bien podría incluirse en una banda sonora de alguna película, para unirse a “Demente” con inicio Power con las guitarras de Ael (también coros en el CD, además de Fran y Sara) y la solista de Angus, además de la batería de Holland, y el bajo de Pau, mezclado con el Rock sinfónico del teclado. Fran, el vocalista, y que también es el responsable de los teclados, utiliza distintos tipos de voz, llegando en ocasiones a no gustarme (cuando saca su voz más aguda, por ejemplo), siendo a veces una de las partes más flojas del grupo que hace que las composiciones, que no están nada mal, pierdan atractivo.
“Engañate si quieres” suena en el principio a Metal neoclásico para dar paso a Heavy Metal muy potente guiado por una poderosa batería, con la voz de Fran recordando en ocasiones a Juan Gallardo (Ángeles del Infierno).
“Cielo”, con inicio instrumental con teclas y guitarras a lo Power, dan paso a una parte calmada con voz profunda (floja) para luego pasar a voz grave y luego normal, de nuevo la parte tranquila, y mezcla de voz histérica con voz profunda.
“El principio del final”, guitarras Power y ritmo también. La producción a cargo de Fede Agudo es un poco oscura. Fran utiliza tono grave, y agudo (que no gusta). Heavy cañero.
“Correveimuere”, ritmo a lo Sepultura con distintos tipos de voz (grave, aguda, histérica), sonando parecido también a Pantera.
“Arte prohibido”, teclas (Rock sinfónico/Metal progresivo) con "trote" Power. De nuevo el problema de la voz, que es regular.
“Silencio”, corta pieza instrumental de teclados que es relajante y que al igual que la “Intro” bien podría formar parte de alguna película.
La atrayente, misteriosa y terrorífica portada mostrando esas cabezas con las bocas selladas y metidas en grandes tarros es obra de Alberto Moreno.
Durante el mes de Marzo nos comunicaban la marcha de Fran para dedicarse a su nuevo proyecto, Negras Visiones. Esperemos que el vocalista en su nueva andadura mejore. Y Arantaxia con la entrada de otro vocalista en su próxima obra seguro que consiguen una notable mejoría. Esperamos contártelo próximamente así.
ARCH ENEMY “Wages Of Sin” (2002)
Es reconfortante saber que un estilo que llevo siguiendo tanto tiempo (ahora menos que antes) sigue en tan buen estado, y que para esto siga así tenemos a estos Arch Enemy presentándonos su cuarta obra de estudio tras “Black Earth”, “Stigmata” y “Burning Bridges” (en Japón editaron un disco en directo llamado “Burning Japan”). Para quienes no los conozcáis todavía, comentaros que la banda fue formada por la unión de los dos hermanos Amott (Michael y Christopher) a las guitarras, el primero de ellos de sobra conocido por la escena death metalera por haber sido miembro de los ya extintos Carnage, Carcass y más recientemente en Spiritual Beggars, una banda bastante distinta en cuanto a sonido de la que tratamos. Completan la banda el batería Daniel Erlandsson, el bajista Sharlee D'Angelo y lo más sorprendente de todo: una vocalista (¡una belleza!) al frente de la banda, que no es otra que Angela Gossow, que nos demuestra que no todas las voces femeninas tienen que ser voces angelicales.
Hablando
de “Wages Of Sin", comentar que en un principio han salido dos ediciones,
la primera de ellas limitada, que incluye un segundo CD con antiguo material
de la banda cantado por el antiguo cantante Johan Liiva, y la segunda el
disco en sí propiamente dicho.
“Wages
Of Sin” contiene doce temas completamente atronadores, desde el comienzo a
piano de “Enemy Within” hasta “Lament Of A Mortal Soul”. Se trata de
un death metal más tirando al estilo europeo que al americano, realmente
tiran mucho más al estilo practicado por viejas bandas tipo Entombed,
Dismenber o Carnage que al estereotipo clon del brutal death americano, léase
Cannibal Corpse, Pyrexia, Internal Bleeding o Deeds Of Flesh. Pero Arch
Enemy no se han quedado estancados en el sonido de las bandas mencionados,
suenan muy frescos, muy imaginativos y para nada se hacen repetitivos. Se
nota a leguas la gran experiencia que tiene Michael Amott a las seis cuerdas.
En “Enemy Within” demuestran un gran domino de sus instrumentos,
destacando aparte de Michael Amott, el gran hacer del batería Daniel; le pega
que da gusto. Mucha melodía, con ese sonido sueco característico de las
bandas mencionadas o sin irse más lejos de In Flames o Dark Tranquillity.
“Burning Angel” nos muestra incluso ritmos Thrash realmente potentes con
una brutal voz de Angela, muy permanente a lo largo de todo el disco. Comparándolo
con el anterior cantante, quizá Angela le haya dado tanto más brutalidad
como más variedad a la voz (dentro de su voz brutal sabe cambiar mucho de
tono, o cual para este estilo es bastante de agradecer) en comparación
con su predecesor, el cual era mucho más lineal. Tanto en “Heart of
Darkness” como “Web Of lies” o “The First Deadly Sin” me viene a la
mente como si In Flames se hubiesen vuelto más brutos, es decir como si
hubiesen endurecido toda su parte rítmica, pero manteniendo ese “bonitas”
melodías tan características de ellos.
Otro tema muy destacable sería “Savage Messiah”, en el cual las guitarras parecen sacadas de la etapa “Thrash” de Carcass ("Heartwork", excelente disco, por cierto), donde los hermanos Amott dominan el tema que da gusto, como también “Snow Bound”, un tema instrumental de guitarra bastante logrado: corto pero conciso.
Como
bonus del disco se incluye un video del tema “Ravenous” en formato Quick
Time, quizá el tema con más melodía del disco, en una onda más actual del
sonido sueco. El video clip está muy bien montando, con muy buenas imágenes
de la banda con una producción bastante buena.
El sonido del disco es realmente excelente: las manos expertas de Andy Sneap (en las mezclas – Kreator, Testament) y de Freedrik Nordström (en la grabación - Dimmu Borgir, In Flames). Realmente un disco muy apetecible, tanto para los amantes de bandas como In Flames o de las bandas más brutales del genero. Conclusión: El death metal nunca morirá con bandas como Arch Enemy
ARENA
“Pepper's ghost” (2005)
Si no eres de la selecta minoría que disfruta con la música de los británicos Arena, lo primero que procede decirte es que te estás perdiendo a uno de los grupos con más cosas que decir dentro del panorama actual progresivo / sinfónico. Llevan ya diez años haciendo buena música, y les ha cundido, puesto que han publicado con este siete discos en estudio y tres en directo.
“Pepper's ghost” es un disco conceptual con música y letra girando en torno a las ideas más catastrofistas, borricas y oscuras que de vez en cuando se pasan por cualquier mente humana. Sin embargo, y lejos de lo que pudiera parecer, la música pasa por ser un magnífico ejercicio de recortes pegados con punto de espada, moviéndose en terrenos que distan mucho de tener aires tristes o melancólicos. Composiciones donde no abundan los ejercicios malabares, pero en las que se combinan síncopes y contrapuntos, armónicos y entrenzados, efectos y toda suerte de mezclas al más puro estilo Spock’s Beard, para que os hagáis una idea.
Rob Sowden se encargó de la voz principal, nada espectacular pero tremendamente efectiva. Los perfectos coros corrieron a cargo de Clive Nolan, quien también lleva el peso de la composición y los teclados (al más puro estilo Mark Kelly de Marillion, y si no escucha “Smoke and mirrors”), y de John Mitchell, guitarra de gusto exquisito. Y la base rítmica la forman Ian Salmon (bajo) y Mick Pointer (batería), muy compacta.
El CD, en formato digipack, viene acompañado de un comic que ilustra la historia interior, con dibujos de David Wyatt, y en el que los personajes son los propios miembros del grupo. Muy interesante si te lo lees escuchando el disco (recomendado).
Tengo que añadir que, aparte de buenas canciones y magnífica presentación, el sonido del disco acompaña. Es imprescindible que suene bien para sacarle todo el partido a una obra como esta, y en este caso estamos de enhorabuena: sonido impecable. A un volumen que permita percibir todos los detalles se puede comprobar cómo todo es mucho menos complejo de lo que aparenta, lo que unido a su justa duración y a lo entretenido del contenido, deja a “Pepper's ghost” como un disco casi perfecto.
Pensaba que su anterior disco “Contagion” (2003) sería difícilmente superable, pero aquí está “Pepper's ghost” para demostrar que no está todo inventado, y si lo está todavía se puede combinar para parir discos en los que dejarse el dinero con alegría.
ARS
AMANDI “Autóctono”
(2003)
En
un lugar de La Mancha, en una clase de rock ibérico...
Padre
Palomino: Bien chicos,
como todos sabéis, hoy vamos a tratar el “Tema XXI: Los nuevos valores de
nuestro rock”. Peláez, al pizarrín...
Peláez:
Aaaay señoliiiita, siemple yo siemple yo... que salga el Gordopiiiilo,
que’s un pelota gallina capitán de la sardina!
P.
P.: Peláez, no me llames
srta. que soy Padre! Vamos a ver... ¿qué me dirías si te sugiero la suma
Transfer + Mägo de Oz?
Peláez:
Aaaay señoliiiita, esa es mú fácil: Transfeldeóz!
P.
P.: (in flames) Buen
intento Peláez, suspendido!!!
Peláez:
Aaaay, válgame el payo...
Gordopilo:
Yo, Padre Palomino, yo!
P. P.: A veeer, Gordopilo...
Gordopilo:
Ars Amandi!
P.
P.: Buena respueeesta,
Gordopilo. Siiigue...
Gordopilo:
Esta banda de nombre tan peculiar se funda allá por el año 96, concretamente
por Dani Aller (voz, dulzaina, pito castellano, whistle), quien tras sufrir
los típicos reajustes en la formación y patearse diversos escenarios
consigue consolidar la misma y grabar su primera maqueta en el 2001,
conteniendo parte de los temas que integran su primer disco, “Autóctono”,
que ha sido editado este mismo año por el sello Pies. El resto de componentes
de la banda son, a saber, Alberto (bajo), Paco Moreno (guitarras) y Roberto
‘El Pelusa’ (batería).
P.
P.: Muy bien, Gordopilo
(qué niño más repelente). ¿Qué me puedes contar del estilo?
Gordopilo:
Pues yo lo definiría como un cruce entre el rock reivindicativo barriobajero
de unos Transfer o Reincidentes y el folk-rock de unos Mägo de Oz o Saurom
Lamderth. Cabe destacar la inclusión en su música de instrumentos tan ‘autóctonos’
como la dulzaína o el pito, cuya fusión con el rock típicamente
‘urbano’ da a luz lo que ellos mismos han venido a llamar ‘Rock
Castellano’...
P.
P.: ...ajá...
Gordopilo: ...si bien es cierto que su carta de presentación les ha quedado para mi gusto un tanto lineal, insertando los citados instrumentos como en paralelo, en vez de fundirlos plenamente con el resto (guitarra, batería y bajo).
P.
P.: No te pases de listo
Gordopilo que eso no está en la lección...
Gordopilo:
(Jolín con la Santa Inquisición)
P.
P.: ¡¿Qué has dicho?!
Huuum... Venga, seguimos para nota. ¿Qué hay de los temas?
Gordopilo:
Pues como decía al principio de mi exposición, el contenido de este primer
trabajo de Ars Amandi oscila entre el rock combativo de las bandas citadas
anteriormente, caso de “Desierto” o “Su Fiesta” (otro más de toros, y
van...), de cierto tufillo a los Reincidentes más clásicos, y el folklore
rockero de otras como pueden ser los de Txus y compañía, escúchese “Tu
Ley”, algo así como una “Fiesta Pagana” particular, o “¿A Qué Esperáis?”,
uno de los ejemplos más claros de rock reivindicativo fundido con el folk de
bandas como Gwendal o La Banda, aunque también hay sitio para cortes de
estructuras más heavies, caso de “La Suerte Está Echada”, en el que Iron
Maiden podría ser una influencia evidente, e incluso para un cover de los
Triana más pletóricos, los de “El Patio”, concretamente el “Abre La
Puerta” –aquí “Abre La Puerta Niña”-,
que si bien no llega a la genialidad de la original sí que produce cierta
alegría en el cuerpo.
No
obstante y como decía al comienzo, en mi modesta opinión creo que les hace
falta algo más de chispa, ya que cuando terminas de escuchar “Autóctono”
te queda la sensación de que han grabado por compromiso, y precisamente
estilos como el rock reivindicativo y el folk si de algo hacen gala es de
rabia y sutileza respectivamente...
P.P.:
Es suficieeente Gordopilo, es suficieeente... Tienes un 10, como siempre (qué
asco de crío).
Gordopilo:
Yuuupiiii!
Peláez:
¿Y yo, señolita, he aplobao, he aplobao?
P.P.:
Tú no, Peláez, tienes un cero metalero!
Peláez:
Ay! Ay! Un 0 dice el payo cura! Voy a llamal a mi helmano el Riiiichal,
que’s fan de los Maiden y de los Judas, y se va a cagal!
(Adaptación
del clásico de Gomaespuma)
ARS
AMANDI “En Tierra
Firme” (2004)
“En
Tierra Firme” se trata del segundo CD de la banda, autoetiquetados como
“Rock Castellano” por el uso de la dulzaina y el pito castellano.
Muy influenciados por Mägo de Oz, no en vano, a parte de girar con ellos, Txus ha escrito un tema en este CD, además de colaborar también en él Mohamed, Fernando y Kiskilla.
Así
que ya te puedes hacer una idea por dónde tiran Ars Amandi, un Heavy endulzado
por el pito y la dulzaina, con buenos coros y melodías. De los doce temas que
contiene el CD, aunque sean muy parejos, yo destacaría “Escuchando al corazón”
con la colaboración ni más ni menos que de Manolo Arias, un tema muy
pegadizo. En esa onda de pegadizos nada tiene que envidiar la que colaboran los
Mägo “No queda sino batirnos” que el estribillo me recuerda mucho al de
“Fiesta Pagana”. Otra de las coplas que destacaría son “Mirada
Perdida” y “Déjame” con unos riffs de guitarras muy heavilonas y de
nuevo estribillo pegadizo, a destacar la dulzaina en “Déjame”. En el tema
que da título al disco “En Tierra Firme” cuentan con otra gran colaboración,
el Rata Blanca Walter Giardino.
Realmente
Ars Armandi no aportan nada nuevo si sustituimos el violín y la flauta de Mago
de Oz por el pito y la dulzaina de los que nos ocupan.
Si
te gustan este tipo de grupos estoy seguro que Ars Amandi también te gustarán.
ARS
AMANDI “Camino al destino” (2005)
Envuelto
en una lujosa portada, con buenas fotos y profusa información, me he
encontrado con un disco lleno de canciones dotadas de buen sonido, incluso con
algún pasaje que me ha obligado a retroceder la reproducción para escuchar de
nuevo. Y esto es todo lo bueno que puedo decir de él.
Por lo demás, no hay por donde cogerlo. Supongo que a quien le guste ir a los conciertos a dar botes, este grupo y este disco serán de su total agrado. Canciones facilonas, llenas de tópicos, melodías y textos más que previsibles, una voz a la que le queda otro rato más en el horno para terminar de cuajar, melodías infantiles...
La
dulzaina y el pito le dan un punto exótico al asunto, sí, pero el resultado
de su participación suena más a un intento de captar la atención de la mayoría
de seguidores del estilo (encabezado por Mägo de Oz) que a una apuesta seria
por rescatar sonidos Folk. Lástima que esto del Rock pseudo-celta esté de
moda, para desgracia de los buenos grupos del género.
Aparte
de los temas propios, también incluyen una horrorosa versión de “El Río”
de Fernando Arbex que popularizó Miguel Ríos, y otras con diferentes
colaboraciones como la del propio productor, Manolo Arias.
En
fin, que esto no da para más. Quien busque estrofa-estribillo-pito-estribillo
está de suerte. Emociones fuertes buscadlas por otro sitio.
ARWEN "Illusions" (2004)
“Memories of a dream” (Arise Records, 2002) fue el primer disco de los madrileños Arwen y que a servidor no le llegó a convencer. Durante la gira de presentación del debut discográfico el teclista Jonathan Zapatero decidía dejar el grupo. Finalmente se hace con el puesto Javier Díez (Jorge Salán, y hoy en día ya ex–Ebony Ark).
“Illusions” fue grabado en los New Life Studios S.L., nombre tomado del tema que cerraba el bautismo de Arwen, y de nuevo se encargaba de la producción el guitarrista José Garrido, pero esta vez junto a Daniel Melián (Ebony Ark, ex–Rancor), pero el dúo de compañeros y socios de dicho estudio (el tercero el vocalista Nacho Ruíz) también lo grabaron, mezclaron y masterizaron.
Los/as ocho músicos que han dado forma a los trece cortes que se integran en “Illusions” han sido casi los mismos que registraron su primer trabajo: los dos fundadores del grupo (hacia mediados de 1996) José Garrido (guitarras principales, acústicas y coros; ya ex–Dark Moor), y Luisma Hernández (bajo y coros); Nacho Ruíz (vocalista y coros; ex–Gauntlet), Mamen Castaño (vocalista y coros), Nacho Arriaga (batería y coros; ex–Gauntlet), Alberto Avilés (guitarras principales), Rosalva Alonso (teclados), y el nuevo, ya mencionado, Javi Díez (teclados, sintetizadores, piano y coros). El CD era editado por Arise Records en noviembre de 2004.
Los cambios respecto a su debut han sido bastante a mejor, al menos para servidor. Frente a la linealidad y homogeneidad, que me aburría, del debut (recordándome horrores a bandas como Angra y con muy pocas composiciones destacables), en este “Illusions” hay más variedad musical (todos los músicos han intervenido aportando al menos en algún tema letras o música), los arreglos e instrumentos de Javi Díez han dado un soplo de aire fresco y de calidad a las canciones, Nacho utiliza distintas tesituras vocales y ha mejorado ostensiblemente, y Mamen Castaño toma un mayor protagonismo merecido y borda sus intervenciones como vocalista principal en tres temas.
Claros ejemplos del presente mejorado del grupo, con elementos del anterior disco, lo percibimos en el segundo corte (tras la pequeña intro “Into the…”), y tema-título, “Illusions”, con cierto ambiente oscuro, ritmos entrecortados utilizados por grupos de Heavy Metal Progresivo, como Symphony X, y con la voz de Nacho mezclando tonos melódicos con agresivos (al estilo de Hansi Kürsch de Blind Guardian). Lo mismo podemos decir en “Dance of souls” (quizás con los ritmos más cañeros del disco), y “Fantasy or reality”, resaltando sus elementos progresivos, como en el caso de “Infinity”, en la que ciertas partes nos recuerdan a Angra.
Los cortes con la voz de Mamen son: “Riding alone”, provisto con unos buenos sintetizadores que le dan un aire bastante moderno y progresivo. Para mí una de las más destacables canciones del disco. Y en la que percibimos también esos toques musicales que nos transportan a lugares fantasiosos y de ensueño. El segundo es la sosegada “Keltia”, compuesta musicalmente a medias entre el bajista Luisma y el anterior teclista Jonathan Zapatero, está dotada de toques de música Celta. Y por último “Lullaby”, es una balada cantada por Mamen con dulzura. Éste tema está compuesto íntegramente por el teclista Javi, al igual que “No more tears”, otro de los temas que más me han gustado de todo el trabajo, con ayuda en los coros de Daniel Melián, además de seis de los músicos de la banda. Obteniendo unos muy buenos coros, como también sucede con el tratamiento de las voces en la última, “Touch the sky”, está vez participando en coros Alfonso J.B. Sánchez (responsable en sus días de los Sellos Red Dragon Records y de A la Caza del Ñu, en la actualidad ya desaparecidos). Muy helloween-iana.
En “By my own sight” se reparten la voz principal Nacho y el guitarrista José, quedando de lujo esas incursiones en el Jazz-Fusión.
Quizás los dos temas más flojos sean “One reason to live” (destacaremos los toques de teclas) y “Somewhere in the past”.
Otra novedad ha sido el nuevo logo de la banda, realizado por Chris “Saiyan” Kallias. También hacer mención que el trabajo de la portada ha corrido por cuenta de Eduardo Tejero y del baterista, realizando éste también, junto a Carlos Peña, el diseño del libreto.
Las últimas noticias más significativas de la banda madrileña se dieron en el verano de 2005, en el que anunciaron su salida de la Discográfica Arise y la baja de la teclista Rosalva Alonso, cuyo puesto lo ha ocupado Roberto Peña de Camús (ex–Dreamaker, Dark Moor). Pienso que el tercer disco de Arwen puede ser su consagración definitiva.
ASHRAM “Shining Silver Skies” (2006)
De nuevo la editora portuguesa Equilibrium Music nos hace llegar su último lanzamiento, el segundo CD de los italianos Ashram. El trío se formó en 1997 cuando el pianista Luigi Rubino y el vocalista Sergio Panarella se juntaron para dar rienda suelta a sus ideas musicales. Tras la incorporación del violinista Edo Notarloberti, publicaron su primera demo, ‘For my sun’, en 1999. Su primer CD, de título homónimo, no aparece hasta el 2001 y tras la incorporación del chelista Leonardo Massa. Tras cuatro años de reflexión, la banda italiana sacó el pasado 22 de mayo este ‘Shining Silver Skies’, un compendio de 14 temas de carácter neoclásico de una belleza y una nostalgia tremendas.
Sobre la base del piano de Luigi Rubino, Edo Notarloberti dibuja sus melodías con un violín majestuosamente tocado. La voz suave de Sergio Panarella acompaña a la perfección las melodías de los dos instrumentistas en algunos temas (otros no tienen letra), y las canciones ganan profundidad con los sutiles toques del cello. Desde la primera composición “5 Steps”, seguida por “Maria and the Violin’s String”, pasando por “Il Mostro”, “Elizabeth”, “Lady” o la que da el nombre al disco, todos los temas te enganchan con su melodía.
Música simple pero de gran belleza y armonía que te sobrecogerá en los momentos de melancolía pero también te hará disfrutar en aquellos momentos en los que apetece simplemente relajarse. Sin duda, un gran disco. Recomendado a pesar de ser de un estilo tan alejado del Rock.
Web ASHRAM - Web Equilibrium Music
ASIA
“Silent nation” (2004)
Si hay un grupo con músicos de currículum ‘galáctico’, ese es Asia. No voy a hacer aquí un recorrido por todos y cada uno de los instrumentistas que han pasado por el grupo, pero el historial es difícilmente igualable. En cualquier caso, estos Asia’04 son muy distintos de los nacidos de las cenizas de Yes, EL&P y King Crimson que grabaron discos históricos en los primeros ochenta, pero no por la calidad instrumental de sus miembros, sino porque de aquellos solo queda el teclista Geoff Downes. El resto del grupo lo forma Chris Slade en la batería (ex–AC/DC y The Firm entre muchos otros), Guthrie Govan como guitarrista (quien ya les echó una mano en la grabación de “Aura” en 2001) y John Payne como cantante y bajista (quien colaboró con gente como Mike Oldfield o Roger Daltrey, y que lleva en el grupo desde 1992 con la grabación de “Aqua”).
No
me canso de repetir que de la unión de músicos de esta entidad tiene que
salir forzosamente música interesante, y si no bastan 23 años de historia,
podéis echar mano de este último “Silent nation”, porque aunque difiere
en estilo de otros discos del grupo, sigue teniendo muchas de sus señas de
identidad. Sigue siendo rock de gran calidad instrumental, más bien melódico,
con algunos pasajes sinfónicos realmente memorables, ideal para quien sea
capaz de emocionarse con la mezcla de sentimiento, técnica y buen gusto que
siempre ha caracterizado las obras de Asia.
Me
gustaría destacar alguna canción sobre las demás para fijarla como
referencia, pero no es fácil. Es un disco homogéneo, sin altibajos,
equilibrado, lleno de medios tiempos y melodías perfectas. Tiene un comienzo
espectacular con “What about love”, una balada que pone los pelos de punta
como es “Gone too far” (hacía mucho tiempo que una canción de estas
características no me obligaba a saltar al siguiente corte) y un final como en
los mejores tiempos de John Wetton con la intensa “The prophet”.
La
portada acompaña al contenido, un buen trabajo del artista británico Thomas
Ewerhard que hace de la presentación del disco todo un lujo.
Pedazo
de disco que se han marcado los abueletes.
Salud.
ASPID “29-05-04/En vivo” (2004)
No creo que a estas alturas haga falta presentar a esta gran banda batalladora, aunque en la música, como en la vida misma, no todo lo que goza de un gran nivel tiene la debida repercusión entre el gran público. Y el caso de los gerundenses puede ser así. El cuarteto lleva luchando desde 1989, tirando del carro siempre los hermanos Garrigós (Rafa – batería y Javi – bajo), pasando por la banda en su primera etapa el vocalista Marc González (en la actualidad en Rockzilla) y los guitarristas: Marc López y Jordi Solé. Desde hace unos años parece que la banda se ha asentado con Joanjo Bosch (vocalista) y Jordi Carlés (guitarra), junto a los Garrigós, editando los dos últimos discos de estudio y pateándose la geografía nacional dando el callo en directo (tocando por igual ante salas con poco público o con mucho, como así en festivales) y ahora se han atrevido a plasmar su excelente directo en soporte digital. Abandonando Avispa y editándolo por su propia compañía, Big Bang Music.
Lo que te comentamos es el CD single (¿o maxi?, porque con los cortes que trae... ) adelanto de lo que será “Latiendo en vivo”, que así es como se titulará el CD y DVD que finalmente estará disponible en las tiendas el próximo 15 de octubre. Grabado el pasado 29 de mayo en el Auditori La Mirona de Salt (Girona) este “piscolabis” consta de seis canciones, con el atractivo de que las tres últimas (“Manos muertas”, “Ángel de destrucción” y “Que el fuego hable”) no estarán incluidas en el álbum.
La grabación se abre con dos primeros temas de su último trabajo en estudio, (“Musa”- 2003), “Dios Baco” y “Sueña por mí”. Canciones con el distintivo de su reciente fase, es decir, mezcla de melodías, comandadas por la buena y personal voz de Bosch, con la base rítmica contundente y clara (para servidor una de las mejores de España), y las buenas pinceladas de la guitarra de Carlés (otro de mis favoritos del territorio).
El tercero es “No hay justicia”, de uno de los discos de su etapa más trallera (“Energía interior” – 1996), no contando la voz de Joanjo con la furia de su predecesor Marc, pero abordando el tema con clase. En su recta final el guitarrista incluye su homenaje a Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow), como lo viene haciendo habitualmente en sus conciertos.
Excelente la versión que se marcan de “Manos muertas” (canción que cierra su “Babel” - 2002), con ese inicio arábigo al más puro estilo Zeppelin, y que al parecer fue uno de los bises, por el comentario del vocalista al inicio (“vamos a alargar esto un poquito”). Todo un acierto incluir el speedico “Ángel de destrucción” de aquel primer mini-LP “Oscura reflexión” (1990), y cerrando con “Que el fuego hable”, de su reciente obra de estudio.
El sonido es clarísimo, sonando todo perfectamente, corriendo la producción a cargo del baterista Rafa. Pero no me gusta que en los directos las canciones no vayan unidas por el ruido de ambiente o por los comentarios del cantante, y en este caso hay cortes entre tema y tema. Otra cosa que no me ha convencido es el sonido que se oye de la peña, un pelín bajo cuando participa, quizás tuvieron problemas con los micrófonos que captaban el sonido ambiente. Aunque claro, mejor no incluir nada de ambiente o incluirlo tal como se tomó en el directo que no cogerlo de otros conciertos o eventos (como se hizo, hace y hará en muchos discos en vivo).
Buena “tapa” para contener un poco el hambre del trabajo que está al caer.
ASPID
“Latiendo en Vivo” (2004)
Desde la salida del directo de los gerundenses (finales de 2004) hasta el día de hoy han sucedido varias cosas en el ámbito del grupo. Anunciaron tras la salida del disco que se tomarían un período de descanso y no presentarían el álbum en directo. Si alguien quería disfrutar del grupo en vivo le quedaba el único consuelo de echarse al oído el CD o visionar el DVD. Tiempo después se escucharon y leyeron rumores sobre la separación, y a comienzos del pasado mes de marzo la triste noticia se hacía realidad con comunicado oficial del cuarteto. Ciertamente no me lo llego a creer aún, ya que pienso que la banda estaba en uno de sus mejores momentos (quizás el mejor) de toda su carrera. Si no tiraron la toalla cuando se marchó Marc González, ¿por qué ahora? El caso es que hay que respetar su decisión y siempre nos quedará como excelente recuerdo los conciertos vistos y disfrutados de la banda dándolo todo en directo hubiese la gente que hubiese, o sus buenos discos de estudio.
Como venía siendo habitual con la formación de Joanjo Bosch (voz), Jordi Carlés (guitarra eléctrica/acústica y coros), Javi Garrigós (bajo y coros) y Rafa Garrigós (batería y coros) hacen un buen repaso compensado a sus dos últimos discos de estudio, incluyendo seis temas de “Babel” –2002- (“Cuesta andar”, “Etérea”, “Cuéntame”, “Mira a tu alrededor”, “Flores deshojadas”, y “Avanzando de espaldas”), sin contar la antepenúltima pista titulada “Babel intro”, que es una introducción con una voz narrando el escrito que venía en el libreto de dicho disco, y otros seis de “Musa” –2003- (“La hora suprema”, “Dios Baco”, “A lo largo del camino”, “Salto al vacío”, “Ejecutar la mañana”, y “Sueña por mí”), además de una “Medley” (integrada por antiguos temas como “Imágenes de dolor”, “Rómpelo” y “Hacia donde vais”), y la versión de “Bohemian Rhapsody” que venían haciendo en la gira del “Musa”.
Desde la “Intro” (con teclas y voces acompañadas por los gritos del público diciendo el nombre del grupo) hasta el final con “Avanzando de espaldas” tenemos a Áspid en estado puro y en vivo, sonando potentes, claros, limpios, y con mucha energía y fuerza, acompañados por una legión de seguidores en ochenta minutos, aunque echo en falta en varias ocasiones que el público tenga mayor presencia durante la ejecución de algunos temas.
Los momentos que más destacaría, para mi gusto, son, aparte de todos los temas de sus dos últimos álbumes que consiguen llevarlos al directo de manera magistral, tras “Cuéntame” las baladas “A lo largo del camino” y “Mira a tu alrededor”, acompañados por un trío de cuerda: Fina Bonet (violín), Toni Mallol (viola), y Carles Coll (cello). Después de la calma otro tema potente como “Salto al vacío” unido a “Ejecutar la mañana”. El repaso a su anterior etapa abriendo y cerrando con “Imágenes de dolor. La versión de Queen que les queda estupendamente, con inclusión de un pequeño fragmento cantado en castellano. Y el final con “Flores deshojadas” y “Avanzando de espaldas”, iniciada ésta por la gente cantando el comienzo de la canción.
Se dice que los discos en directo sirven para cerrar etapas en las carreras de las bandas, en esta ocasión se ha cerrado definitivamente con un brillante trabajo de despedida. ¿Qué más se puede pedir?, pues que te hagas con este disco si aún no lo tienes o si no te has echado al oído aún a esta gran banda puede ser una manera acertada de quedarte enganchado a su buena música. El libreto está compuesto en su integridad (además de los créditos en la última página) con excelentes fotos en color rojizo de aquel 29 de mayo de 2004 en el Auditorio la Mirona de Salt (Girona). A los/as que estuvieron allí dicha noche les traerán muy gratos recuerdos, yo lamento no haber podido estar en esa gran velada.
¿Uno
de los mejores discos en vivo de nuestro Rock y Metal?, hay gustos como
colores, pero para servidor sí. Con él, el single (o maxi)
“29-05-04/En
vivo” (con algunos temas no incluidos aquí), el DVD y sus discos de estudio
nos consolaremos, y esperaremos a que algún día vuelvan a darnos música de
calidad.
Per
sempre ASPID!!!!!!
ASTRAL DOORS “Evil is Forever” (2005)
Supongo que en los países escandinavos quedará poca gente para hacer de público porque el porcentaje de músicos de rock debe ser de los más altos, sino el que más, del mundo mundial. ¿Os habéis dado cuenta la cantidad inmensa de bandas, de todos los estilos, que proceden de los países nórdicos? Astral Doors es una banda sueca formada por los guitarristas Joachim Nordlund y Martin Haglund, el bajista Mika Itäranta, el batería Johan Lindstedt, Jocke Roberg a las teclas y Patrick Johansson en la tarea de cantar (sí, los nombres se las trae) que edita ahora su segundo álbum tras su debut del año 2003 “Of The Son And The Father” y de actuar en sitios de tanto prestigio como Wacken Open Air o el Sweden Rock Festival.
Es curioso este mundo de la música donde para explicar a que suenan dos grupos tan dispares y diferentes como Siena Root y Astral Doors haya que recurrir a las mismas bandas como fuente de inspiración. Y es que si los primeros sonaban a unos primitivos Purple - Sabbath éstos se inspiran en las mismas bandas pero en épocas diferentes. Y no sólo porque la voz de Patrick Johansson, un portento con un vozarrón enorme, tenga un timbre muy parecido a Dio y Tony Martín, sino porque toda la música del grupo está basada en el sonido tanto de Dio, etapa Rainbow, etapa Sabbath y en solitario (“Time To Rock”) como de los mejores Sabbath de los años con Martin (“Evil Is Forever”). Heavy Metal clásico con clase y elegancia, muy bien facturado y con ideas brillantes. Una producción, a cargo de la propia banda, limpia y potente, que juega a veces de manera muy inteligente con los canales de los altavoces (“Lionheart”), pero que no suena fría ni artificial en ningún momento (defecto de muchas bandas de aquellas latitudes), a lo que sumado a unas buenas melodías y unos riffs clásicos y enérgicos hacen que la escucha de “Evil Is Forever” sea un placer para todos los que amamos esta manera de interpretar el Heavy Metal. Además las coplas tienen un minutaje adecuado lo cual es de agradecer en unos tiempos donde los grupos se empeñan en dormir a las ovejas alargando sus canciones innecesariamente, que lo bueno si breve, dos veces bueno.
Gran disco de
Heavy Metal con clase y talento, quizás todavía dependiendo demasiado de la
herencia de las bandas anteriormente nombradas pero con la soltura y buen hacer
suficiente para que la obra tenga interés y te haga pasar un buen rato, a mí
por lo menos me ha hecho pasar más de uno.
Web
ASTRAL DOORS - Discográfica
LOCOMOTIVE MUSIC
ASTRAL DOORS "Astralism" (2006)
Lo más fácil para explicar de que va el nuevo disco de Astral Doors sería remitirme, punto por punto, a la reseña de su anterior disco, porque no hay ningún cambio. Que no digo yo que eso sea ni bueno ni malo, sólo digo lo que hay, que repiten la misma fórmula al pie de la letra. Mucho Black Sabbath etapa Dio/Tony Martin, una ejecución impecable y unas coplas potentes y una portada horrible, no hay más. Y es que cierro los ojos y me pongo "From Satan with Love" y veo a Dio acompañado de Iommi.
Éste es su tercer disco, grabado con el alquimista Peter Tägtgren en los propios Abyss Studios. Trece temas de Heavy Metal potente y preciso pero más sobado que los billetes de cinco euros y que de seguir así van quedarse sólo para los fans más acérrimos. A ver, que alguien se ponga el riff de "Fire in our House" y diga a que le suena. Que no digo yo que sea un mal riff, al contrario, es uno de esos que te ponen las pilas bien puestas y hacen que te den ganas de levantar el brazo haciendo unos bonitos cuernos pero... está ya demasiado visto y a estas alturas del campeonato hay cosas que ya no cuelan. A no ser que nunca hayas oído a Rainbow, Sabbath o Dio que entonces esto te parecerá algo realmente original.
Por lo demás lo dicho, un gran disco, con buenas canciones muy bien ejecutadas por grandes músicos. Después del verano empezarán una gira por toda Europa como teloneros de Blind Guardian y ahí, encima de un escenario, seguro que son mucho más sorprendentes y divertidos que en disco. Yo todavía pienso darles otra oportunidad, porque son buenos, pero espero que para próximas entregas se suelten un poquito más de sus propias influencias.
Web ASTRAL DOORS - Discográfica LOCOMOTIVE MUSIC
ATARAXIA & AUTUNNA ET SA ROSE “Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo” (2005)
La editora portuguesa equilibrium music ha reunido en este doble digipack, de nombre “Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo”, a dos talentosos proyectos de la escena medieval y neoclásica italiana: Ataraxia y Autunna et sa Rose, que hacen un repaso a sus composiciones de una manera novedosa.
El primer CD, de nombre “Strange Lights” (grabado en S. Rufino en febrero de 2005), nos muestra a unos Ataraxia que interpretan con un enfoque neoclásico y atmosférico diversos temas de su carrera. Así nos encontramos con particulares versiones de temas como ‘Shelmerdine’ y ‘Bonthrop’ del agotado EP “Orlando”, ‘Ophélie’, uno de los temas que más me han gustado y que pertenece al disco “La Malediction d’Ondine”, o ‘Veules Les Roses’, otro de los temas que he disfrutado y que está incluido en el EP “Des Paroles Blanches”. Además de composiciones previamente editadas, “Strange Lights” contiene dos temas inéditos, ‘Strange Lights’, que abre el CD y ‘Seas of the Moon’, otra composición a resaltar en mi opinión.
La música que contiene este CD, dicho por un desconocedor de estos sonidos como soy yo, es un compendio de temas neoclásicos muy intimistas, relajantes e inspiradores grabados con tan sólo piano (Giovanni Pagliari), guitarra clásica (Vittorio Vandelli), flauta y voz (Francesca Nicoli) y campanas, carillón y cascabeles (Ricardo Spaggiari) de acompañamiento. Mi único pero a “Strange Lights” viene por las partes vocales que no me terminan de convencer, con una Francesca Nicoli que en algunos casos no controla los tonos sopranos/agudos que intenta (como ejemplo podría mencionar el tema 6, ‘Faust in una Sala Maledetta’).
En el segundo CD de esta doble entrega ve la luz una interpretación de Autunna et sa Rose grabada en la iglesia de St. Michele en Rovigo (Italia) el 31 de mayo de 2003. Bajo el título “Logos”, el grupo interpreta temas de sus tres previos discos junto a tres composiciones inéditas de una manera más contemporánea y abstracta. Y digo interpretación en vez de concierto porque se trata más de un recital poético-artístico que de un concierto propiamente dicho de música. Once intimistas temas de gran melancolía y hermosura componen este CD. Cello (a cargo de Simone Montanari) y piano (tocado por Disorder, que es además el encargado de las composiciones) son los instrumentos principales, acompañados por la soprano Sonia Visentin que da un toque cálido a las sencillas melodías neoclásicas y contemporáneas. Además, se incluyen recitaciones a cargo de Disorder que dan un toque más teatral a la interpretación. Seguramente “Logos” daría mucho más de sí en forma de DVD que de CD musical.
En definitiva, “Odos eis Ouranon; La Via Verso Il Cielo” reúne a dos talentosos proyectos de la escena neoclásica y medieval, que dan una atractiva, particular y novedosa versión de su propia música. La presentación del digipack es de gran gusto como viene a ser costumbre en esta editora, conteniendo letras, fotos y comentarios de los artistas. Éste es un disco apto para aquellos que quieran adentrarse en sonidos completamente ajenos a las guitarras eléctricas ya sea bien por curiosidad, como necesidad higiénica auditiva necesaria de vez en cuando, o para los momentos en los que buscamos la relajación. Hasta podría demostrarse adictivo como lo ha sido en mi caso. Al fin y al cabo se trata de disfrutar la música sin meterla en sacos discriminatorios.
Para más información y para dar unas escuchas previas se puede visitar la página de Equilibrium Music: www.equilibriummusic.com ó www.odos.equilibriummusic.com.
THE ATOMIC BITCHWAX “3” (2005)
Una escucha al disco me hizo falta para ponerme a investigar sobre esta banda hasta ahora desconocida por mis altavoces. Y me entero de que no es su primer trabajo, tienen ya cuatro discos (contando éste) en el mercado y, joder, pedazo de discos. Y es que ya se sabe, salen como churros y a menudo se nos escapa cada joya que no veas.
El caso es que “3” poco tiene que ver con sus anteriores redondos, “The Atomic Bitchwax” de 1999 (reeditado este año), “2” del 2001, y con una recopilación de caras B, experimentos varios y alguna versión (de AC/DC) en “Spit Blood” que sacaron en el 2002; cargadísimos de riffs a cargo del fiera de Ed Mundell (Monster Magnet), con jams de quince minutos donde se lucen, y de qué manera, cada uno de los músicos de la banda, formada por el citado Ed Mundell (voz, guitarra), el ex-Goodspit Chris Kosnik (voz, bajo) y Keith Ackerman (batería). Una mezcla entre Jazz, Stoner Rock, Doom, Groove y Boggie, todo muy retro y psicodélico, que todavía me da escalofríos de lo bueno que es.
A lo que iba, este “3” se aleja de esas demostraciones de virtuosismo por parte del power-trio estadounidense y de los cortes infinitos, parece ser el trabajo más accesible al gran público. Además, Ed Mundell ya no forma parte de la banda ya que prefiere centrarse en Monster Magnet, siendo substituido por el cantante y guitarra de Core, Finn Ryan, que le da un nuevo aire a la banda, eso sí, los riffs setenteros y la voz asesina de Mundell siguen ahí, ahora más directos y como digo, más accesibles. Pasan de la mayoría de cortes instrumentales en sus anteriores trabajos a sólo contar con uno, “Force Field”, y bastante cortito, de unos dos minutos y poco de gloria.
Repartidos entre diez temas tenemos treinta y nueve minutos de buena música que se me hacen tremendamente cortos, es la pega más gorda que le encuentro al disco, y bueno, más que una pega, es una flor que les echo.
La batería pateándonos el culo es lo que nos encontramos al comenzar el primer corte, “The Destroyer”, ya te digo, destroyer total. El estribillo aparece a los pocos segundos, un tema muy rápido y directo con incontables riffs “wah-wah”, un tiro de tema, destacando el trabajo de Ackerman. Debo señalar la tremenda chapuza a cargo de la producción ya que el tema acaba cuatro segundos después de entrar el segundo corte; manda huevos…
Se te quedará grabada en la mollera “You Oughta Know”, un tema muy pegadizo repleto de coros, muy parecida a “You Can’t Win”, con un Finn cómodo en terrenos más melódicos sin bajar el tempo del resto del disco.
Con “Dark Chi” siguen los riffs punzantes de Finn y las dobles voces, una batería machacona que no te da respiro y algo de la sombra de Deep Purple se puede percibir, es quizás un pelo previsible.
Hablando de Deep Purple… “Maybe I’m A Leo”, versión que no aporta nada a la original, excepto la diferencia en la voz, cojonuda en cualquier caso. Le sigue el mentado instrumental “Force Field”, donde te hacen saber lo que son capaces de hacer con sus instrumentos, los de tocar, o sea, joder… ya me entendéis.
El tema más psicodélico “Going Guido”, tiene un poquito de todo, solos de guitarra, una base súper sólida, mucha distorsión y sonidos espaciales muy bien desperdigados, se hace corta.
¿Os acordáis del reciente éxito de la mujer de goma?, sí, hombre, la Cher, aquel tema donde le distorsionan la voz. Pues esa misma distorsión sufre Finn en “Passenger”, otra de las pegadizas, con mucha pegada, caña de principio a fin. Al igual que “If I Had A Gun”, es el tema que más me gusta y que encajaría perfectamente como single, es la más apta para las masas y debe ser una auténtica gozada en directo, Finn se luce, me viene a la cabeza Freak Kitchen al escucharla.
Cerrando el disco, “Half As Much”, con una intro/taladrada robótica y de vuelta sonidos espaciales y psicodélicos. Batiburrillo de instrumentos sonando a la vez, incluidas trompetas, y un tema dentro de otro tema sonando de fondo; rara, rara, rarrha.
Como ya he dicho antes, “3” se hace corto, te deja con ganas de más. A los amantes del Stoner, entre los que me incluyo, no les va a defraudar en absoluto, todo lo contrario, y a los que gustaban de sus anteriores trabajos, pues tampoco ya que esos tremendos riffs siguen ahí, con menos estructuras y más caña, dándole más cancha a las voces, en definitiva un disco más comercial. Muy recomendable.
La banda acaba de poner a la venta un nuevo EP plagado de extras, titulado “Box Riff”, preludio del nuevo trabajo que se espera a finales de Enero del próximo año. Habrá que estar al quite.
Web THE ATOMIC BITCHWAX - Web Meteor City Records
AUDIOSLAVE "Audioslave" (2002)
Cuantos meses hemos esperado para escuchar esto... Por fin podemos decir que el nuevo proyecto de Chris Cornell y los miembros de Rage Against the Machine es una realidad. No es para menos. Dos de los pesos pesados de la pasada década unen sus esfuerzos de cara a afrontar el nuevo milenio.
La situación en la que se encontraban ambas partes antes de iniciar esta andadura era similar. Soundgarden decidieron que era hora de zanjar una carrera ascendente que con cada paso marcaba un nuevo techo a superar. Como los grandes, abandonaron en la cumbre y dieron muerte orgánica a la banda con una dignidad de la que podrían aprender otros. El fin de RATM no fue tal hasta que Morello, Commerford y Wilk, de mutuo acuerdo con Cornell, optaron por emprender un proyecto totalmente nuevo. Carecía de sentido buscar recambio para un Zack De La Rocha que imprimía la personalidad y el carácter reivindicativo del grupo. Pero las proclamas políticas se habían quedado desfasadas y la evolución musical se limitaba a las genialidades de Morello. Pese al éxito de "The battle of Los Angeles" y la gira apoteósica consiguiente, estos factores desgastaron mucho al cuarteto y el replanteamiento de su continuidad fue la opción más prudente y lógica. Así, nació Audioslave.
Creo que puedo generalizar al decir que intentar imaginarse lo que podía salir de este encuentro era toda una incógnita. Cómo fusionar dos concepciones del rock tan diferentes, un cantante de corte clásico y letras simbólicas con unos músicos que construían la base sobre la que rapear consignas revolucionarias. Era la pregunta del millón. Pues bien, a pesar de que en la práctica los más allegados al legado RATM echen pestes de este proyecto o los acérrimos seguidores de Soundgarden queden estupefactos ante la dirección filosósico-religiosa que han tomado los escritos de Cornell, la fórmula funciona pero que muy bien.
"Cochise" no se hace mucho de rogar. Lo primero que se advierte es el tamiz rasgado que adopta la garganta de Cornell. Cual Robert Plant, dibuja unas líneas vocales sobre el riff de Tom Morello que me hace pensar que estoy ante el "Whole lotta love" de la "década cero". "Show me how to live" confirma el buen comienzo: más de lo mismo, rock clásico revisado a fondo, redefinido con los criterios que esta superbanda impone y con Chris Cornell entregado en cuerpo y alma al papel que se le presupone. Éste sí es él. La voz de los noventa para no pocos precisamente ya nos tiene a sus pies al cántico existencial de 'you gave me life / now show me how to live'.
Seguro que la inclusión de una cantidad ingente de medios tiempos muy sui generis dejará boquiabierto a más de uno. ¿La base rítmica de Rage Against The Machine siguiéndole el juego a los líricos números intimistas del ex - Soundgarden? Basta con echarse al oído "What you are" y "Shadow on the sun" para corroborarlo. Y decir que "I am the highway" o "Like a stone" cuadran dentro de las latitudes en las que se encuentra el último álbum de los Peppers no parece un disparate a tenor del producto obtenido. Más muestras de sosiego... La bluesera "Getaway car" y "Last remaining light" dan por clausurado "Audioslave" emulando las coordenadas que trazaron las composiciones de "Euphoria morning", el primer trabajo de Cornell en solitario: calidad por los cuatro costados, el vocalista literalmente volando con los tonos, elegancia en exceso y distante del rock explosivo que inicia este álbum. La nota discordante la pone una "Bring'em back alive" retorcida y cruda, pero sin tanto encanto como el resto del repertorio.
Por su parte, Morello cumple con las expectativas y no decepcionará a quien le creyera incompatible con el antiguo compañero de Kim Thayil. Su tendencia a experimentar es parte fundamental de canciones como "Light my way" (con unos efectos que traen a la mente "Great big white world " de Manson), "Hypnotize" (que parece guardar a Moby en la recámara) o "Gasoline". El primer minuto de "Set it off" sirven de demostración de cómo usar pedales de mil formas distintas, pero luego se transforma en un clásico que David Coverdale podría mostrar orgulloso en su historial. Es curioso que, con un vocalista de una naturaleza absolutamente opuesta a la de De La Rocha, los riffs incendiarios del guitarrista suenen tan legítimamente rockeros. No ocurre lo mismo con los solos, por supuesto, que siguen innovadores y bizarros en manos de este pionero. "Exploder" ejemplifica esta fusión, uniendo conservadurismo y modernidad a partes iguales.
¿El
veredicto? Se puede afirmar que Cornell vuelve a pisar el terreno que le es
natural: el del rock vitalista y lleno de matices. Por su parte, Morello &
Co. han recuperado la frescura que iban perdiendo poco a poco bajo las
directrices que marcaba RATM. Por tanto, no pueden más que congratularse por
el trabajo realizado y, sobre todo, por una primera mitad del álbum sublime.
Honestamente, no esperaba que este experimento llegase a tan buen puerto. Pero
debo reconocer el error. Aquí no hay lugar para escepticismos ni suspicacias.
AVALANCH “Las Ruinas del Edén” (2004)
La trayectoria de Avalanch es bien conocida. Los sucesivos cambios de formación en el seno del grupo han ido cambiando la concepción del mismo hasta un punto tal que entre la idea original y el estado actual en que se encuentran, podríamos hablar tranquilamente de dos grupos diferentes.
Su líder indiscutible, Alberto Rionda, es plenamente consciente de ello, y con esa base ha decidido editar este disco, regrabando un buen puñado de temas con diferentes arreglos, adaptados a la línea actual del grupo y especialmente al modo diferente de cantar de Ramón Lage con respecto a sus antecesores.
Este intento de re-escribir la historia causa, como es lógico, opiniones encontradas, ya que los fans que han seguido al grupo desde sus inicios se encontrarán con sus queridas canciones demasiado cambiadas, y ya se sabe que es muy difícil luchar contra los sentimientos de quienes adoran las versiones originales de esos temas.
Avalanch suena ahora mucho menos Power Metal, un camino que habían iniciado ya con “Los Poetas Han Muerto”. Los temas suenan más melódicos y la voz de Ramón Lage, prácticamente incompatible con la vieja concepción de los temas, suena ahora mucho más desahogada, ya que su más pausado timbre de voz se encuentra mucho más cómodo con estos nuevos arreglos, demostrando que es un gran cantante y callando muchas bocas que buscaban en él un clon de sus antecesores, más amantes de los agudos propios del Power Metal.
La selección de los temas, como en todo disco recopilatorio, queda abierta a discrepancias. Cada cual echará en falta algún clásico de la banda (por ejemplo "Torquemada"), aunque no hay duda que aunque no están todos los que son, sí que son todos los que están. Llama poderosamente la atención el predominio de temas rescatados de “El Ángel Caído”, 7 en total (más de medio disco) en detrimento de los discos anteriores: “La llama eterna” (1 tema) y “Llanto de un Héroe” (3 temas). Y algo que no se explica muy bien es la inclusión de 2 temas de “Los Poetas Han Muerto”, no porque no lo merezcan, sino porque chocan frontalmente con la idea de que este disco surgió para adaptar las canciones a la voz de Ramón Lage.
El sonido es superior al de cualquier disco anterior del grupo, aunque hay algo que nunca terminará de gustarme, y es esa batería con sonido “marca Windows” que pierde en sentimiento y feeling lo que gana de perfecto metrónomo informático. Su presencia en la mezcla es predominante, lo que acentúa ese sentimiento artificial.
Si nos desnudamos de sentimientos nostálgicos, la parte artística del disco, es decir, los nuevos arreglos y la forma de interpretarlos, es muy buena. Los temas suenan muy bien y la mayor parte de los nuevos arreglos se muestran acertados, visto desde la nueva perspectiva de la banda. Juntos conforman un disco compacto y de muy alto nivel,
“Juego Cruel”, “Antojo de un Dios” y “Las Ruinas del Edén” suenan mucho mejor con estos nuevos arreglos y la nueva línea vocal, y el resto de los temas mantienen una alta línea, (“Lucero”, “Corazón Negro”...)
¿Este disco supone un carpetazo con la etapa anterior? Tiene toda la pinta, aunque nunca se sabe lo que deparará el futuro. A mi me ha dejado buen sabor de boca.
AVANTASIA “The Metal Opera” (2001)
El inquieto de Tobias Sammet, alma mater de los metaleros Edguy, nos obsequia de nuevo con una entrega discográfica, esta vez como proyecto paralelo a su banda y rodeado de un elenco de músicos que, de entrada, garantizan que el producto en cuestión merece la pena, y es que nombres como Kai Hansen (Gamma Ray), David DeFeis (Virgin Steele), André Matos (ex-Angra) o Markus Grosskopf (Helloween), algunos de los partícipes en el proyecto, son sinónimo de calidad. Una de las colaboraciones más gratas (al menos para mí) es la del desaparecido Michael Kiske (ex-Helloween), rebautizado para el proyecto con el pseudónimo Ernie (¿hasta tal punto reniega del Heavy Metal que tiene que camuflarse en un apodo?), el cual aparece en la práctica totalidad del disco (se nota que ha sido una influencia muy importante en la escueta aunque fructífera carrera de Tobias).
En cuanto al contenido del disco, supongo que huelga decir que se trata de una obra 100% Heavy Metal; tenemos temas ultrapegadizos a lo “Reach Out For The Light” o “Breaking Away”, temas más relajados como el épico “Farewell” (con la estupenda voz de Sharon Den Adel como colaboración) o la balada “Inside” (a medias entre Kai y André), himnos como el cañero “The Glory Of Rome” o la coral “Avantasia” y temas más complejos como “Sign Of The Cross” (¿de qué me suena a mi esto?) o el extenso final con “The Tower”. En cuanto al sonido decir que, inevitablemente, suena a una especie de cocktail de las bandas de sus colaboradores, es decir, un poco de Helloween por aquí, otro poco de Gamma Ray por allá, una pizca de Stratovarius (también colabora Timo Tolkki, el que hiciera de ‘padrino’ en la opera prima de Edguy “Vain Glory Opera”, aunque sólo como voz en off) y un poco (bastante) de Edguy, para darle el gusto final.
En síntesis, si eres degustador de las bandas citadas y del Heavy Metal melódico en general debes hacerte con este trabajo, pues despunta claramente entre las entregas discográficas más recientes. Esperemos que no se quede en un proyecto aislado y Tobias nos deleite en un futuro no muy lejano con otra entrega de similares características. Y a ver si lo supera!
ÁZIDO SULFURICO “Poemas malditos” (2006)
Ázido Sulfúrico son un grupo de Ahigal (Cáceres) que hacen una especie de punk-rock con mucha influencia de Extremoduro, tanto en la música como en las letras. Lo componen Rubén Galindo (voz y guitarra), Roberto Mateos (guitarra), Vidal Alcón (guitarra), Diego Alcón (batería) y Rubén Batuecas (bajo).
Ellos mismos se definen como punkis, anarquistas, borrachos, drogadictos, delincuentes y malos bichos (“Tierradura”), supongo que si ellos lo dicen será verdad, en cualquier caso “Poemas malditos” es su tercer disco (contando como tales las grabaciones “Suena la truena” de 2000 e “Hijos de...” de 2002), que cuenta con la colaboración del autor placentino Manolo Chinato recitando su poema “Poeta de pelo de estropajo” en el tema “Redentor”.
Su música es muy básica, justo lo que necesitan para decir lo que dicen, no hay que darle más vueltas. Sin embargo no termino de ver la necesidad de copiar tan descaradamente el estilo de Robe y los suyos. Es cierto que cada uno hace la música que le parece para pasárselo bien, pero que una discográfica crea que puede hacer negocio con clones tan descarados es no apostar por la originalidad, ni la innovación, ni la calidad musical, y sí por el filón abierto por los originales. “Si funciona la fórmula repetimos” puede que sea buena política empresarial, pero la aportación al mundo musical es prácticamente nula.
En cuanto al contenido, los temas van todos en la misma onda, muy similares, de buenas letras pero con una producción muy plana, lo que le añade un plus de aburrimiento al ya de por sí monótono disco. Sin embargo estoy seguro de que han sacado petróleo de una materia prima a la que la queda mucho todavía por trabajar.
Si os gustan los poemas musicados estilo Robe, y no sois demasiado exigentes con lo que entra por vuestras orejas, estos mis paisanos os harán pasar un buen rato.
Más información en www.azidosulfurico.com. Suerte.