Li-Lu
| LINKIN PARK Meteora (2003) |
| LITIO No hay ángeles para todos (2006) |
| LONEWOLF Unholy Paradise (2004) |
| LÖRIHEN Paradigma (2003) |
| LOS DEL TONOS Sólido (2003) |
| LOST HORIZON Awakening The World (2001) |
| LOST IN TEARS To no avail (2005) |
| LOVE LIKE BLOOD Chronology Of A Love Affair (2001) |
| LUCA TURILLI Prophet Of The Last Eclipse (2002) |
| LUJURIA ¡¡¡Únete al Escuadrón!!! (2005) |
| LUPERCALIA Florilegium (2004) |
LINKIN PARK “Meteora” (2003)
Con Linkin Park ha sucedido de todo. Me explico. Existe una manía consistente en despotricar por sistema contra todo aquello que surge de las "artes" publicitarias de las grandes Compañías Discográficas, bien por principios idealistas, bien por aparentar credibilidad frente a los gustos de la gran masa. "Hybrid theory" sufrió en carnes propias esta práctica, soberanamente estúpida por otro lado, que no es más que el precio a pagar por vender millones de copias en todo el mundo y acaparar la atención de los medios no especializados. Y un precio bastante absurdo, ya que el shock que causó en su día fue comparable, en mi caso, al de "Deaf dumb blind" de Clawfinger.
El sexteto engendró "Meteora" en los sitios más dispares: autobuses de gira, la casa de Mike y los estudios californianos y neoyorkinos donde fue grabado y mezclado posteriormente. Registrado en los NRG Studios de North Hollywood, contó de nuevo con Don Gilmore (Sugar Ray, Rob Zombie, etc.) en la producción y Andy Wallace (System of a Down, Disturbed, etc.) en las mezclas.
El encontronazo inicial con el compacto en la tienda de discos fue brusco debido al desorbitado precio de venta, teniendo en cuenta que la duración del compacto no alcanza los cuarenta minutos. Pese a que hayan tratado de compensarlo con un libreto amplísimo, una presentación en digi-pack minuciosa, la inclusión de una mini-película de un cuarto de hora y diferentes accesos especiales a la web oficial, es abusivo.
Afortunadamente, no tardé en comprobar que la inversión se rentabilizaba respecto a mis esperanzas. Si nos ceñimos exclusivamente a lo musical, "Meteora" es el sucesor natural de "Hybrid theory". Robustece las bases que forjaron en su debut y, principalmente, ratifica la calidad de composición de un grupo que no se ha doblegado ante la fama.
¿Cuál es la fórmula mágica que emplean estos chicos? Integrar con una naturalidad innata metal, hip-hop, pop o lo que les pongan por delante y hacer de esa mixtura algo creíble y novedoso. Chester Bennington es quien pone la voz a la orquesta, dejando a Mike Shinoda la vertiente rapera de la misma. Joseph Hahn es el DJ de la banda, haciendo diabluras a base de scratch en cada rincón de los temas. La nota metalera corre a cargo de Brad Delson, cuya labor a la guitarra es tan simplona como fundamental. No esperes ni un sólo solo. La nueva generación se desentendió, para nuestra desgracia, del concepto de guitar-hero o la definición de un sonido personalizado a las seis cuerdas. Sin embargo, el muchacho se las apaña que da gusto y su solitaria aportación añade la dureza sin la cual estas canciones poco tendrían en común con el metal, no acomodando incesantemente la rítmica a los toques Korn de turno.
"Don't stay", "Lying from you", "Hit the floor", "Easier to run", "Figure.09" y "Numb" responden al estereotipo forjado por la propia banda. Lo más curioso es que, en lugar de resultar repetitivo, sigue sonando tan fresco como el primer día y los estribillos se pegan como una lapa a las primeras de cambio. Doce cortes, obviando la intro, en tan escaso intervalo de tiempo pueden dar una idea de por donde van los tiros: hits en potencia que a la menor oportunidad reventarán las listas. "Somewhere I belong" conserva las cicatrices que dejó "In the end" y en cuanto fue lanzado como sencillo alisó el terreno para que el álbum debutara en su primera semana de Billboard como número uno.
Atisbos de evolución los hay, aunque debemos buscarlos en lo más inhóspito. "Breaking the habit" adopta un marcado tinte popero, silenciando las influencias nu. "From the inside" tantea unas tesituras sensibles que con otro tacto hubiesen estampado A Perfect Circle. A "Faint" se anexa una sección de cuerda que se integra con total espontaneidad a las parrafadas de Shinoda. Éste, por su parte, se erige en la voz cantante, nunca mejor dicho, de "Nobody's listening", un tema de hip-hop sin aditivos. Precisamente es este tema el que menos me atrae de la obra (aunque quien guste de ese estilo, no dudo en que le agradará) junto a la instrumental "Session", que al lado de la cinematográfica "Cure for the itch" se queda en una secuela floja.
Probablemente
este plástico no consiga más que entusiasmar a la legión de seguidores que
generó "Hybrid theory" ya que las similitudes entre ambos trabajos
son acusadas y el efecto sorpresa ya no es tal. Sin embargo, Linkin Park no han
bajado la guardia, han apostado fuerte por una línea continuista y casi con
toda certeza veremos a "Meteora" peleando merecidamente por copar los
puestos más altos de favoritos a finales de año.
LITIO "No hay ángeles para todos" (2006)
Hay cosas, pequeñas o grandes, que te alegran el día. El tener este disco entre mis orejas es una de ellas. Una alegría porque hace unos cuantos años tuve la suerte de comentar, en estas mismas páginas, la maqueta de este grupo sin tener la certeza de volvérmelos a encontrar y sin embargo aquí están, con todas las virtudes que ya apuntaban en aquella maqueta plenamente desarrolladas y con un sonido mucho más pulido.
Con una formación compuesta ahora por Daniel Sánchez a las voces y guitarra, Santiago P. De las Heras a la batería, Sergio G. Mislata con el bajo (sustituyendo a Carolina Lobo) y Alberto Benito a la otra guitarra, siguen manteniendo los graníticos riffs, se parecen menos a Sôber y más a Litio y suenan mucho más rockeros, como en “Decide tú”, aunque sin perder ese puntito oscuro que les caracteriza.
Lo que sí es una constante a lo largo de todo el trabajo es la colección de riffs de guitarras, simples pero efectivos, potentes y pesados que contrastan con las melodías vocales.
No quiero destacar ningún tema sobre otro porque todos tienen un nivel muy parecido, destacando más la homogeneidad del disco y lo compactas que suenan todas las coplas. De todas maneras no creo que haya nadie que escuche algo como “Decide tú” o “El día que te de la espalda” y no tenga ganas de empezarse a moverse o esbozar una sonrisa cómplice con letras como “Una bala en el alma”.
Lo que hace poco tiempo era un proyecto, una ilusión, hoy ha cuajado en una realidad llamada “No hay ángeles para todos”. Una obra que da perfectamente la medida de la banda, un disco que no decae, como les pasa a muchos, conforme avanza logrando mantener el mismo nivel de la primera a la última de las piezas. Piezas cortas, directas pero que dan en el clavo. Sinceramente, me alegro y ya espero con ansias el siguiente.
LONEWOLF “Unholy Paradise” (2004)
Lonewolf es una banda francesa de Heavy Metal formada por Felix (batería), Damien (guitarra), Jens (guitarra y voz) y Dryss (bajo). No son ni mucho menos noveles en esto, se formaron allá por el año 1993, y dos años después grabaron lo que fue su primera demo llamada “The Calling”, que según parece tuvo buena respuesta del publico y por parte de la prensa. Un tiempo mas adelante editaron un 7” EP denominado “Holy Evil”. Acto seguido, y tras algunos roces entre los miembros de la banda, se separaron en el año 1996, para 4 años después volver a juntarse y editar su disco debut llamado “March Into The Arena”.
En el 2002 es cuando el sello español Goi Music se fija en ellos y reedita su primer trabajo en toda Europa. Dos años después nos presentan su segundo trabajo “Unholy Paradise”, también bajo el sello Goi Music.
“Unholy
Paradise” consta de 10 canciones de Heavy Metal clásico que desde los
primeros compases de “Stronger Than Evil” me recuerda a una mezcla entre
Running Wild y Grave Digger. Realmente parecen una banda alemana y no francesa
como realmente son. No tienen nada de innovadores y no dudo de su calidad como
músicos, pero en cuestión compositiva parecen cerrados en unos esquemas que
hemos escuchado todos nosotros hasta la saciedad y que no ofrecen nada, ni
novedoso, ni que pueda atraer a los seguidores del Heavy Metal. Por mucho que
escucho, no les encuentro nada especial.
Los riffs son de pura escuela alemana. Ahí tenemos temas como “Medieval Witchcraft”, “Behind The Cross” o “Snake in Eden” que si bien están registradas con buen sonido y nivel instrumental, no tienen nada brillante, todo clónico. El batería y bajista cumplen, los guitarras carecen totalmente de ideas las cuales registrar adecuadamente y a la voz tenemos a un aprendiz de Chris Boltendahl y Rolf “Rock´n' Rolf” Kasparek
Una
decepción mas dentro de lo que es el Heavy Metal europeo actual, y una banda
que sino cambia radicalmente, no creo que logre sacar algo productivo, ya sea
para ellos mismos como grupo o para todos aquellos que amamos el Heavy Metal.
Sinceramente, en calidad compositiva, de las peores grabaciones que he escuchado
en mucho tiempo.
Contactos:
Lonewolf
est un groupe français de Heavy Metal formé par Félix (batteri), Damien
(guitarre), Jens (guitarre et voix) et Driss (basse). Ce ne sont pas, et de
loin, des débutants; le groupe fut créé quelque part vers 1996 et 2 ans après,
ils enregistrérent ce qui allait être leur première démo appellée “The
Calling” qui, apparemment reçu un bon accueil, tant du public que de la
presse. Quelques temps auparavant, ils éditérent un 7’’ EP appellé
“Holy Evil”. Immédiatement, et suite à quelques problèmes entre les
membres du groupe, ils se séparérent en 1996 pour, 4 ans plus tard, se
reformer et éditer un premier disque appellé “March into the arena”.
C’est
en 2002 que le label espagnol GOI Music s’est interessé à eux y a réédité
leur premier travail pour toute l’Europe. Deux ans après, ils nous présentent
leur second travail “Unholy Paradise”, toujours sous le label Goi Music.
“Unholy
Paradise” comporte 10 chansons d’Heavy Métal classique qui, depuis les
premiers accords de “Stronger than evil” me rappelle un mélange entre
Running Wild et Grave Digger. Ils ressemblent plus à un goupe allemand qu’à
un groupe français. Ils n’ont rien d’innouvant et je ne remets pas en en
cause leur qualité comme musiciens, mais, question composition, ils semblent
un peu enfermer dans des schèmas que
nous avons tous écoutés jusqu’à la satiété et qui n’offrent rien, ni
de nouveau, ni qui puisse attirer les fans de Heavy Métal. J’ai beau les écouter,
je ne leur trouve rien de spécial.
Les
riffs sont de pure école allemande. Nous avons des morceaux comme
“Witchcraft Médiéval”, “Behind The Cross” ou “Snake in Eden” qui,
bien qu'enregistrés avec un bon son et un bon niveau instrumental, n'ont rien
de brillant. Le batteur et le bassiste jouent leurs rôles les guitares
manquent totalement d'idées bien qu'enregistrées de façon adéquate et, à
la voix, nous avons Chris Boltendahl comme apprenti et Rolf “Rock´n'Rolf”
Kasparek.
Une
décéption de plus dans ce qu’est l’Heavy Métal européen actuel, et un
groupe qui, s’il ne change pas radicalement, ne pourra pas, je pense, sortir
quelque chose de productif, soit pour eux-mêmes comme groupe, soit pour tous
ceux qui aiment le Heavy Métal. Sincèrement, pour ses qualités de
composition, c’est un des pires enregistrements que j’ai écouté depuis
longtemps.
Pour
les contacter:
Trad: Shan Tee
LÖRIHEN
“Paradigma” (2003)
Puede
que a algunos os suene el nombre de Lörihen por su reciente participación en
el tributo a Pánzer que os comentamos por aquí hace un tiempo, en el que esta
banda argentina versioneaba “Volverás desertor”. Ahora llega el momento de
hablaros de su propia carrera, en concreto de su tercer CD, “Paradigma”, el
primero que llega a nuestras manos tras la anterior publicación de “Utopía”
(2000) y “Antes de tiempo” (2001).
Su estilo se mueve en el Heavy Metal clásico con pinceladas de Power e incluso con algunas referencias sonoras de metal más moderno (escuchad el riff de la homónima “Paradigma”). Pero su mayor influencia es, sin ningún género de dudas, Yngwie Malmsteen, de quien se inspiran (casi copian) riffs, solos y estructuras temáticas. Tanto es así que la escucha del disco se basa, en gran medida, en valorar el trabajo guitarrero, dejando en un segundo plano el resto.
El grupo está formado por Emiliano Obregón (guitarras), Julián Barrett (guitarras), Javier Barrozo (voz), Nicolás Ciancio (bajo) y Hernán Rios (batería). El orden nombrado de sus componentes bien podría ser el orden de relevancia dentro del disco. Las dos guitarras son las estrellas del disco, y toda la grabación parece girar a su alrededor. Javier Barrozo cumple su papel a la voz de forma aceptable, mostrando muchas similitudes con su paisano Adrián Barilari, aunque quedando lejos del excelso nivel del cantante de Rata Blanca. Por último, la base rítmica es lo peor del disco, tanto por interpretación como por el sonido que de ellos se ha sacado, en especial de la batería, totalmente falta de fuerza, y que recurre con demasiada facilidad al socorrido recurso de “doble bombo y a correr”. Esta circunstancia, unida a una excesiva similitud en la composición de las canciones, sin mucha chispa, produce que el brillante trabajo de las guitarras sea el único aliciente en la mayor parte del disco. Más de la mitad de las canciones del disco mantienen idéntica estructura: canciones rápidas y lineales en las que sólo nos sacan del aburrimiento la llegada de los solos, brillantemente ejecutados en su mayoría.
Las referencias estilísticas a Yngwie Malmsteen son constantes, llegando a su máxima expresión en la instrumental “Capricho (sissimo)", que hará las delicias de los seguidores del guitarrista sueco.
Afortunadamente, hay algunos momentos de mayor lucidez. Tanto “Realidad virtual” como “Cara o seca”, la mejor canción del disco, muestran una frescura que echamos de menos en el resto del CD. También me gustaría destacar “Esa gran mujer”, tema acústico que cierra el disco que con buen texto y buenas guitarras nos permite, al menos, terminar la escucha con sentimiento positivo.
Como complemento, el CD contiene una pista de datos para su visualización en un ordenador personal, con información sobre su historia, discografía, integrantes, forma de contacto y, por supuesto, información sobre su Web oficial.
Discográfica Virtual Records
LOS DEL TONOS “Sólido” (2003)
Si
tuviera que resumir con una palabra lo que me sugiere este último disco de
los norteños, esa sería ‘desilusión’. He resoplado igual que lo hice
cuando terminé de escuchar el último de M-Clan: como una jaca después de
beber. Hasta en eso se me parecen, y es que la historia de Los Del Tonos está
plagada de luchas por mantener la integridad, de años de silencio forzoso, de
discos de versiones para matar el mono y de otros de cosecha propia que han
hecho caer babas a mucha gente, entre la que me encuentro. Pero esto último
me ha dejado como el que se tragó el cazo.
No tiene nada que ver con el blues del “3 hombres enfermos” o “Bien, mejor”, ni con el regusto a ZZ Top de siempre (disco de versiones incluido), ni mucho menos con el hard del “Ríen mejor”. Esto es una especie de mezcla de muchos estilos (hard, pop, funk...), pero en proporciones tales que puede entrarle a la primera a cualquier tipo de público, puede aparecer perfectamente en cualquier lista ‘principal’, o puede gustarle a cualquiera que no los haya escuchado en la vida. Similitudes miles con M-Clan, ya digo, aunque con más guiños rockeros, aún con muchas acústicas y pocas saturaciones.
No digo que sea un mal disco, ni mucho menos, es agradable al oído pero se termina haciendo pesado de narices. Quizá sea culpa mía por esperarme algo que siguiera la línea del anterior, incluso más rockero por meter otra guitarra más en la persona de Fernando Macaya (pasando a cuarteto en lugar del trío habitual). El caso es que aún manteniendo el nivel en las letras (...“dejemos de llamar normal a lo que todos hacen. ‘Normal’ y ‘bien hecho’ no es lo mismo...”) me parece que han querido buscar otro tipo de bolsillos.
Alguno
dirá que es una evolución de su sonido, o que mantienen el eclecticismo
musical, que suena a rock sureño, a rhythm & blues, etc... puede que sí,
pero lo que está claro es que suena mucho -pero mucho!- menos contundente. Ni
es malo ni bueno, será lo que ellos quieran que sea (o lo que los dejen),
pero personalmente me huele a carne quemada, y no digo sumisión
porque han demostrado con creces su capacidad de lucha.
El resto del grupo lo componen Hendrik Roever (guitarra y voz), Iñaki García (batería) y otro nuevo: Pablo Zeta (bajo). La capacidad instrumental no la han perdido, ya digo, ni tampoco la lírica, pero suena sensiblemente más comercial, si es que sirve esa palabra.
Muy
frío.
Salud.
LOST HORIZON “Awakening The World” (2001)
Hacía bastante tiempo que un disco de Power Metal al uso no me sorprendía como lo ha hecho este “Awakening The World”, que sirve de carta de presentación para esta nueva formación sueca proviniente de las cenizas de Highlander (de donde también salió algún que otro miembro de los ya afamados Hammerfall).
Lo que más me ha llamado la atención de este trabajo es su efectividad. Me explico. El grupo ha sabido, sin pretender inventar nada nuevo y partiendo de unas notables influencias (como pueden ser Running Wild, Manowar, Gamma Ray, Heaven's Gate o Riot, por poner unos ejemplos), crear una obra llena de fuerza y melodía con ese sonido “añejo” del Heavy/Power clásico, pero puesto al día y con un toque personal que le da toda la validez y credibilidad exigibles. Y es que este es de los discos que me hacen reafirmarme en mi postura: no hace falta ni ser unos excelentes músicos ni recargar las producciones hasta el grado de perderte en los temas para editar un buen trabajo, simplemente basta con un poco de IMAGINACIÓN. Así, temas como el que abre el compacto, “Heart Of Storm” (con unas melodías que me recuerdan muy mucho a las de Mr. Rolf Kasparek), la potente “Sworn In The Metal Wind” (esta vez me viene a la mente la banda de Kai Hansen, quizá por el tono un tanto festivo y desenfadado aunque para nada exento de potencia) o “World Through My Fateless Eyes” harán de seguro las delicias de los más metaleros. “Perfect Warrior” y “Denial Of Fate” bajan un poco la agresividad del comienzo para centrarse más en la melodía (donde se puede apreciar la calidad del vocalista Daniel Heiman, dotado de un timbre muy peculiar y agradable al oído), tras la cuales llega “Welcome Back”, un auténtico temazo repleto de fuerza y sentimiento que te pondrá los pelos como escarpias. El disco se cierra con “The Kingdom Of My Will” (seguida por una outro), el tema más extenso del álbum, con un toque quizá algo más progresivo, aunque en ningún momento decae ni se hace pesado, manteniendo la intensidad del resto.
Lo
dicho, a veces bastan un poco de gracia y buenas ideas para sorprender al
respetable, si bien es cierto que este es su primer trabajo, y dicen que se
tiene todo el tiempo del mundo y la presión mínima para editar el primer
disco, lo cual no sucede con los siguientes. Esperemos que no se les agoten las
ideas, y no voy a hacer paralelismos...
LOST
IN TEARS “To no avail” (2005)
Mira tú por donde, una banda de Finlandia, vaya cosa curiosa y extraña... ok, la frase es una coña pero hace sólo 10 años tendría toda la vigencia del mundo. No me cansaré de alabar el tremendo salto que han dado los países nórdicos, tanto en calidad como, y esto es lo más sorprendente, en cantidad. Allí salen bandas como setas en las sierras catalanas.
Lost In Tears son una más, que ya no sorprenden -llegan tarde- y que practican una especie de Heavy Metal con toques muy a los Paradise Lost del “Draconian times”, con algunas, sólo algunas y muy dispersas, voces guturales y que a pesar de ser bastante correctos a mí no me han entusiasmado demasiado. Se formaron en 1997 pero no es hasta 2002 cuando graban su primer disco que les llevó a poder salir de su país y tocar por sitios como aquel lejano Machina donde compartieron cartel con grupos como Tiamat o Moonspell entre muchos otros, curiosamente dos grupos a los que estos fineses le deben mucho.
Once coplas regulares, sin altibajos, muy bien ejecutadas y que no decepcionarán a ningún fan del estilo. Quizás la triste y bonita “Loss”, tocada en acústico sea de las que más me han llamado la atención junto a la potencia de “Felicity” pero ya digo que todas guardan un patrón semejante que hace que el disco no tenga excesivos cambios. Además la correcta duración, cuarenta y siete minutos, hace que en ningún momento haya sensación de hastío.
En definitiva un buen disco, inspirado en ocasiones pero que no aporta nada nuevo a un estilo bastante saturado en los últimos tiempos pero que cumple a la perfección el papel de divertir.
Web LOST IN TEARS - Discográfica LOCOMOTIVE
LOVE
LIKE BLOOD
“Chronology Of A
Love Affair” (2001)
¡Qué
buena idea, sí señor! La verdad es que ediciones tan originales como la que
nos ocupa no se dan todos los días, y digo lo de original porque, si bien
discos tributo aparecen como rosquillas casi a diario, homenajes como éste de
una banda hacia otras a las que consideran influencia directa o simplemente
interesantes no lo hacen muy a menudo (aunque tampoco son los primeros en hacer
algo así, sirva el caso de nuestros Saratoga, que ya dedicaran su segundo larga
duración a homenajear a bandas clásicas del Rock nacional).
En
primer lugar quiero destacar por encima de todo la calidad del material
contenido en el plástico, pues si bien a estas alturas Love Like Blood son por
sí mismos considerados unos clásicos dentro del panorama Gothic Metal de los
90, los covers que integran este “Chronology...” pueden considerarse la
creme de la creme tanto del Rock Siniestro como del Gothic Rock, pasando incluso
por bandas más genuínamente metaleras (como es el caso de Paradise Lost o
Tiamat), que a continuación pasamos a detallar.
Así es, este trabajo es una auténtica (re)visión de lo que ha sido (al menos para ellos) una década y media (1985-2000) de Gótico (a partir de ahora haremos extensible el término al rock siniestro, metal gótico, etc.), donde tienen cabida desde los grupos pioneros del género hasta los más recientes e innovadores. De esta forma aparecen desde clásicos como Joy Division (“Decades”), Bauhaus (“She’s In Parties”, obviamente con un aire más metálico aportado por el doble bombo, pero sin perder la atmósfera original), The Cure (“A Strange Day”, con ese punteo cristalino, santo y seña de la banda del carismático Robert Smith), los inevitables Sisters of Mercy (“Lucretia My Reflection”) o Christian Death (“Church Of No Return”) hasta los más recientes Paradise Lost (“True Belief”, más oscura que la original si cabe), Type O Negative (“Black No.1”, algo más rockera) o Tiamat (“Whatever That Hurts”, del venerado “Wildhoney”), pasando por los imprescindibles The Mission (“Wasteland”), The Cult (“Rain”), los minoritariamente aclamados Fields of the Nephilim (y su “Love Under Will”, épico), los Lacrimosa de Thilo Wolff (“Copycat”, cómo no) o los más desconocidos Killing Joke y su “Love Like Blood” (¿coincidencia?), por citar los más relevantes.
Sólo
me resta añadir que “Chronology Of A Love-Affair” es un perfecto compendio
de gótico y metal de calidad, enteramente recomendable tanto para seguidores
del estilo como para aquellos que quieran adentrarse en estas sonoridades y no
lo hayan hecho aún (esto sería un buen comienzo, creedme). Sólo hay que
pulsar play y dejarse llevar a través de los 16 cortes que componen el disco
para sentir en lo más profundo “the touch of the hand of goth”. Y si te
gusta ya sabes, ¡a por los originales!
LUCA TURILLI "Prophet Of The Eclipse" (2002)
Tres
años hemos tenido que esperar los seguidores del maestro Turilli para volver
a disfrutar de sus andanzas en solitario. El objetivo de superar su anterior
trabajo, “King of the Nordic Twilight”, era una meta, a priori, complicada.
Un importante porcentaje de las críticas que pululan por la red (también en
el ámbito internacional) coinciden en que este “Prophet Of The Last
Eclipse” lo ha conseguido. Tras infinidad de escuchas, yo no seré tan
atrevido, y lo dejaré en un “empate”.
Supongo
que a estas alturas, nadie osará dudar del contenido épico de este nuevo
trabajo de Turilli, ¿verdad? Pero los himnos de espada presta y estandarte al
hombro, los elfos, los reyes, etc. han pasado a mejor vida, y descansan en su
anterior disco.
Ahora
es el turno de los cometas, las galaxias, los emperadores malignos y los
eclipses, de la luz estelar, de las guerras astrales y de la inmensidad del
universo en sí. En efecto, el concepto ha cambiado, pasando de su característico
plano medieval a un universo futuro, desarrollado en el planeta “Zaephyr”.
Luca saca partido de los sintetizadores para lograr una atmósfera acorde con
el concepto de su nueva obra, basada, según palabras del propio Turilli, en
la película “Even Horizont”.
Los
componentes del grupo son los mismos que en "King...", es decir, el gran
Olaf Hayer a la voz (que hace un trabajo impresionante en este disco), Sascha
Paeth al bajo, Miro a los teclados y Robert Rizzo a la batería. Amén de un
elenco de lujo de colaboraciones, violinistas, violonchelistas, sopranos,
tenores, angelicales voces infantiles y así hasta más de 30 personas
trabajando a las órdenes de Paeth y Turilli. La producción, pues que decir,
lo habitual, una maravilla "made in Paeth".
Adentrándonos
ya en la oscuridad del universo, nos encontramos con la ya clásica introducción,
"Aenigma". Aderezada con sonidos electrónicos y con un inicio, como bien indica
el título, misterioso, envolvente y muy apropiado, que desemboca en unos
coros inmensos, con los arreglos orquestales y los sintetizadores en perfecta
armonía. La introducción nos une con el primer tema del disco, "War of the
Universe", el paroxismo onírico representado en el principio de la canción.
Violines, con clara influencia de Vivaldi, elegantísimos coros femeninos
entrelazados con la guitarra y los sonidos sintetizados, una autentica pasada.
"Rider
of the Astral Fire" es el segundo corte, con un sosegado comienzo donde la
sección de cuerda tiene un relevante papel que pasa a un doble bombo que
vuela por momentos y una presencia de teclados arrebatadora. Unos
sintetizadores que consiguen un brillante efecto con la guitarra de Luca de
fondo y un tramo maravilloso donde una coral de niños consigue un clímax
realmente envolvente, mágico, para acabar de nuevo con el galopante y
grandioso estribillo.
"Zaephyr
Skies Theme", la pieza instrumental del álbum. Otro ejemplo más de lo que
puede conseguir Luca Turilli en un terreno que nada tiene que ver con el Heavy
Metal, me refiero, como no, a las BSO (igual hay sorpresas dentro de poco). Es
una maravilla, dentro de la atmósfera futurista, nos encontramos incluso con
arpas y sonidos de clara influencia celta. El peso vocal lo lleva la soprano
islandesa Amanda Somerville y el final del corte es un claro homenaje al
griego Vangelis... ¿o no?
"The Age of Mystic Ice" es una canción muy típica de Turilli, aunque mentiría si no digo que es una de mis preferidas. Un inicio con coros y bastante pausado y misterioso, con los sonidos electrónicos y la guitarra perfectamente conjuntados. El estribillo puede conmigo, plenamente cinematográfico, basta con cerrar los ojos o hacer un montaje de imágenes de Star Wars con el mismo de fondo. Veréis si llevo razón.
"Prince
of Starlight" es otra de mis favoritas, y aquí si coincido con la mayoría de
reviews. Un tema muy violento, muy dramático y la vez épico y triunfal, como
bien queda reflejado en el estribillo: realmente poderoso y rápido. El tramo
final es verdaderamente esplendoroso, deslumbrante, con la sección de cuerda
sonando de fondo mientras resuena el epopéyico estribillo.
"Timeless
Oceans" es la balada del disco. Es impresionante lo que hace aquí Olaf Hayer,
sinceramente pienso que es la canción mejor cantada por el alemán desde que
trabaja con Turilli. Centrándonos en la pieza en sí, decir que es de una
elegancia evidente: el comienzo de teclado, violines y cellos recreando una
atmósfera muy melancólica, con Hayer, insisto, cantando como los ángeles.
Todo girando en torno a la voz doblada de Olaf y a los coros operísticos en
la parte central del corte, que consigue transmitir una gran emotividad.
"Demonheart"
creo que es lo más flojito del disco. Sin ser mala, dista bastante del nivel
de las otras.
Un
tema, a mi entender, demasiado ramplón, de un power muy machacón, a lo
Metallium, por poner un ejemplo. Se salva ese grandioso inicio coral con las
voces de los tenores y las sopranos soberbiamente entrelazadas. Por cierto, la
edición digipack incluye una versión de la misma cantada por Andre-gato
castrado-Matos bastante patética.
"New
Century´s Tarantella" la compuso Turilli siguiendo, relativamente, la música
a camino entre étnica y folk de los simpáticos Ewoks en Star Wars ("El
retorno del Jedi"). De todos es sabida la afición de Luca por la música folclórica,
especialmente por los sonidos tradicionales rusos. Claramente se ve reflejado
al meter un instrumento como el acordeón, por ejemplo. En este corte
confluyen los ritmos del mencionado folclore ruso con la Tarantella, música
tradicional de algunas regiones del norte de Italia, especialmente las que
hacen frontera con Croacia. Igualmente, el inicio es de clara influencia
sudamericana, con mandolinas, guitarra acústica y flauta peruana. Por
clasificar, el tema folclórico del disco, siguiendo aquel “Lord of the
Winter Snow” de su primer trabajo en solitario.
El
final del álbum lo tenemos con un monumental tema, marca de la casa, "Prophet
of the Last Eclipse", que da título al disco. Canciones como ésta ("Symhpony of
Enchanted Lands", "King of the Nordic Twilight", etc.) son las que han elevado a
Turilli a ser un gran compositor (no, no es el nuevo Mozart, como algunos
atrevidos ignorantes y freakies quinceañeros han llegado a decir, por dios) y
en su campo, sin duda, el mejor.
Casi
doce minutos de magnificencia, grandiosidad, barroquismo, elegancia y, sobre
todo, de epicidad.
La
canción recoge de forma soberbia las partes de tensión y de triunfalismo que aborda la historia.
El
inicio se presenta con un coro gregoriano reafirmando ese momento de tensión
previo a la espectacular irrupción de los sintetizadores, dando pie a un
duelo coral entre tenores y sopranos, con el doble bombo volando,
verdaderamente impresionante. Turilli ha conseguido un clímax apocalíptico,
dicho en plata, acojonante. Una melodía previa al estribillo realmente
emotiva, con los sintetizadores y el teclado anunciando el grandioso coro, que
parece sacado de cualquier BSO de John Williams o Jerry Goldsmith. Partes
interpretadas íntegramente por la soprano islandesa Amanda Somerville maravillosas, batería más pausada en algunos tramos, para volar por momentos
en otros, los que lo requieren. Aunque ciertamente sería bastante estúpido
por parte de cualquiera fijarse de más en la batería, personalmente me trae
sin cuidado, como si no hubiera detalles en la música de Turilli para fijarse
en el tambor; tiene narices.
La
Profecía del último eclipse acaba como empezó: con los cantos gregorianos,
tras una sección de cuerda “desafinada” con un aire de “continuará”,
como si de una película se tratase.
Comulgo
con la inmensa mayoría de reviews que se han hecho en los medios. Luca ha
vuelto a hacer un discazo, que va a gustar tanto a los amantes de la música más
épica como a los fans del metal más detallista y ornamentado, por poner dos
ejemplos claros. Como siempre, música muy barroca, muy recargada, muy
grandilocuente, en resumen, muy espectacular, dando la mayor relevancia
posible a los arreglos.
El
sonido creado por Turilli sigue sonando a Turilli, esto es indudable, con
la salvedad de nuevos e interesantes elementos a su música para con su nuevo
concepto. También se aprecia claramente que las guitarras están en un
segundo plano en este disco, lo cual puede resultar mejor o peor, siempre en
la opinión de cada uno. Personalmente prefiero a Luca trabajando en un campo
lo más sinfónico posible, más centrado en los arreglos, amén de
composiciones que tiren hacia las creadas para su obra cumbre con Rhapsody,
"Symphony...", donde precisamente las guitarras no tenían demasiado peso.
Lo
mejor del señor Turilli es que, literalmente, no para. Ahora esta a camino
entre el nuevo trabajo de Rhapsody y componiendo unas piezas orquestales ("Symphonic
Visions") bajo la tutela del director de cine italiano Dario Argento, con
vistas, evidentemente, a las BSO.
Algún
hinchafolios de los “grandes” medios, evolucionado sin duda, alega, con
argumentos que invitan a la risa, aquel famoso y cansino “más de lo
mismo”, que tan de moda se ha puesto por parte de algunos a la hora de
criticar discos, especialmente de Power (no sin razón en algunos casos). Es la
historia de andar por casa de siempre, lo mejor es ignorarla e ignorarles.
Mientras
tanto, mis felicitaciones al simpático guitarrista de Trieste, gran disco.
Jose Alberto (Thunder)
LUJURIA "¡¡¡Únete al Escuadrón!!!" (2005)
Un par de ovarios (Nuria de la Cruz “Lilith” – teclados) junto a diez testículos (Óscar Sancho – voz e improperios; Jesús Sanz “Chepas” – guitarras; Julio Herranz “Julito” – guitarras; Javier Gallardo – bajo; Fernando Manso – batería, que regresa a la formación tras su estancia en los inicios y que es el primer disco oficial que graba) encima del escenario dándolo todo con su Heavy Metal (aunque no nos olvidemos de César de Frutos “El Oso” y la gente que trabaja detrás de las tablas para que todo salga en condiciones) y llevados en volandas por 1.500 personas con sus voces y puños en alto fue lo que aconteció el pasado viernes 1 de abril de 2005 en la sala Aqualung de Madrid. Los segovianos, que habían abandonado su Sello discográfico por la falta de apoyo a una buena causa (la campaña contra la violencia de género con el CD-single “Espinas en el corazón”), se jugaban todo a una aquella noche (coincidían con el concierto de los dos músicos que se hacen llamar Queen, y Paul Rodgers) y salieron más que victoriosos y creo que reforzados y con más ganas de seguir luchando y comiéndose el mundo a base de Heavy Metal, a veces con letras cachondas y otras con letras serias, y entregándose en cada concierto ante la gente que va a verlos porque así es como debe ser, porque qué sería de los músicos sin la peña que les apoya, y eso lo saben de sobra los de la ciudad del acueducto y los cochinillos, entre otras buenas cosas, y pagan a la gente con creces sudando y entregándose con su Heavy Metal. Ya, ya sé que lo he dicho ya tres veces, pero es que ellos mismos están orgullosos de proclamar a los cuatro vientos ese estilo de música y de vida, ¿tiene algo de malo?, para nada, en absoluto. ¡Ole ahí sus aparatos!
A lo que vamos, a lo que hay dentro de los dos discos, que en total duran cerca de 120 minutos, y en los que hacen un repaso a sus cinco discos de estudio, haciendo hincapié en los últimos (echo de menos más canciones de los dos primeros, especialmente del “Cuentos para mayores”, que servidor compró antes de que ficharan por Locomotive Records, y del que tan sólo tocan las jocosas y desenfadadas “No hay manera” – precedida de una parte de “Sin parar de pecar” - y “Estrella del porno”). Poquísimas trampas y retoques creo yo que tiene el disco, una muestra es el acople que se escucha al principio de la versión de Barón Rojo. Al escucharlo te sientes como si estuvieras en el mismo concierto, y es que desde el primer tema, “Escuadrón 69” (iniciada por una corta introducción de teclas), la gente apoya incesantemente con sus voces y cánticos, animada constantemente por el vocalista, que conforme fue pasando el concierto se encontrarían más a gusto y seguros él y el grupo. Acordándose no sólo de sus seguidores en nuestro país, también de Sudamérica y Centroamérica, e incluso de la madre (Angelita) del arrollador frontman... y "para bien" del Papa en "Dejad que los niños se acerquen a mí", y del alcalde Ruiz Gallardón con "La favorita del rey". "Hijos de la furia" es una nueva copla con letra realista y dura con la que obsequiaron a la audiencia. Resaltar la aportación de Nuria, dando colorido a las antiguas composiciones con su colchón de teclados, o tomando protagonismo en temas como “Mozart y Salieri”, la genial "Mª Martillo"… o marcándose un pequeño solo titulado “La rebelión de Lilith”, preámbulo de “Levántate y anda” (tema que cierra el primer CD). Emotividad y sentimiento con “Espinas en el corazón” y “Cadena perpetua lejos de ti”. Declaración de principios por el amor que sienten al Rock y al Heavy Metal con “Corazón de Heavy Metal”, “Joda a quien joda” y “Merece la pena (con presentación graciosa y sincera de Óscar), todas seguidas y uno de los momentos más grandes del disco. Incluyendo en el repertorio las versiones en directo que ya aparecieran en sus discos de estudio (tan sólo faltando “Marisoka” de Ñu y "La gorda" de Tyc), homenajeando a los luchadores y desaparecidos Muro con “Traidor” y final de fiesta con las versiones a los grandes y veteranos Barón Rojo y Obús, con “Larga vida al Rock & Roll” y “Vamos muy bien”, respectivamente. Todo un detalle con sus seguidores y audiencia de aquella noche mágica el incluir de nuevo al final del CD-2 “Corazón de Heavy Metal” pero con el título “Mi voz está en este disco” y con sonido ambiente.
Lo que no me convence del todo es el libreto que sólo incluye fotos de los componentes en vivo con frases de cada uno (antes y después del concierto, según cada cual). Para mi gusto hubiera añadido muchas más fotos de los músicos y de la peña (algunas más podemos ver en el digipack).
Lo dije con el CD en vivo (y lamentablemente de despedida) de Áspid, uno de los mejores discos en directo de este país. Pues ahora hay que sumar otro a la lista, el de Lujuria, y es que te pueden gustar más o menos, o ni siquiera gustar, pero está claro que si escuchas “¡¡¡Únete al escuadrón!!!” no puedes negar que toda la carne la echaron en el asador, y que suena que atruena, matador, totalmente bestial, sincero y directo. Mi enhorabuena al grupo, a toda la gente que trabajaron y trabajan para ellos, y a la peña que se congregó aquella noche, además de la producción de Alberto Seara “Flor” y de César de Frutos “Oso”.
Creo que se está vendiendo bastante bien este “¡¡¡Únete al escuadrón!!!”, primera referencia de su propio sello Vía Láctea Producciones. Acaban de publicar la segunda, “Las maquetas”, que incluyen las dos primeras maquetas distribuidas de la formación. Esperemos que todo marche bien y sigan editando buenos trabajos.
“… porque a veces es posible que 1.500 corazones latan a la vez…”
LUPERCALIA
“Florilegium” (2004)
La editora Equilibrium Music nos hace llegar su próximo lanzamiento, el CD titulado ‘Florilegium’ de los italianos Lupercalia, que saldrá a la luz el próximo día 18 de mayo.
Lupercalia, nombre tomado de
una fiesta pagana romana de la fertilidad, cuyo origen se desconoce, es un dúo
compuesto por Riccardo Prencipe, encargado de la guitarra clásica,
sintetizador y dulcimer, y la soprano Claudia Florio, también encargada de los
coros.
El grupo se formó en 1999
cuando se juntaron Riccardo Prencipe y el violinista Pierangelo Fevola,
grabando poco después su debut ‘Les Nuits des Samain’. Su primer larga
duración, ‘Soehrimnir’, un trabajo completamente instrumental, es lanzado
en el 2000 por la World Serpent Distribution. Poco después Claudia Florio se
incorpora a Lupercalia, comenzando el trabajo alrededor de ‘Florilegium’ en
el verano del 2001. Tras la salida de Pierangelo Fevola, el grupo se mantiene
en forma de dúo con Riccardo y Claudia.
‘Florilegium’ es un CD
compuesto por 13 temas de gran gusto, en los que se entrelazan melodías
medievales, orientales y del folclore tradicional, no en vano hay 5 temas
basados en canciones tradicionales (música y letra, o bien música a las que
se adapta letras, o letras a las que se le adapta música): ‘Personent
Hodie’, ‘Rebis’, ‘Axe’, ‘The wind that shakes the barley’ y
‘Pilgrim´s chant’. Los temas son muy variados, alternando todos ellos
ritmos rápidos y lentos, melodías occidentales y orientales, sensaciones de
melancolía con sensaciones de festividad, y todo rodeado por un aura de
misticismo y paganismo que se ve reforzada por la voz soprano de Claudia
Florio. La voz de ésta complementa y acompaña la música de manera agradable,
aunque aquí quizás esté la mayor pega, creo que debería alternar más veces
la voz soprano con la normal; como ejemplo no hay más que escuchar el décimo
tema, ‘Axe’, en el que la bella voz de Claudia no pierde nada al dejar de
lado los tonos de soprano. Las letras son mayoritariamente cantadas en latín, lo que da
un toque aún más exótico y místico a las composiciones, además de ser algo
bastante original a mi entender.
A Riccardo Prencipe y Claudia Florio les acompañan como colaboradores un
cuarteto de cuerdas (Gianluca Uccio - primer violín, Giovanni Borrelli -
segundo violín, Roberto Bottino – viola y Gianfranco Scalzo – violoncelo)
y otra cantante femenina, Lina Salvatore, que da voz a las declamaciones. Estas
colaboraciones incrementan
la fuerza de las melodías y la sensación de orquestación de los temas, de
manera que, si ya era inevitable meterse dentro de la música, con estas
colaboraciones es imposible salir al mundo real mientras dura el CD. Tal es la
fuerza de los temas.
La producción del CD es muy
buena, y se pueden seguir los distintos instrumentos y las distintas melodías
fácilmente, lo que hace de la escucha del disco una delicia sonora. El formato
en el que se pondrá a la venta es digipack deluxe, incluyendo un libreto de 16
páginas a color con imágenes de, entre otros, Achim Berdnorz, conocido por
sus contribuciones a libros de texto de Historia del Arte.
En definitiva, estamos ante un
disco que gustará, sin duda alguna, a aquellos que disfruten de música
antigua con tintes góticos, y que no tengan miedo a introducirse en un mundo
en el que los instrumentos eléctricos son dejados de lado. También me atrevo
a decir que podría interesar a los que gustan de las bandas sonoras originales
de películas históricas y/o de terror clásico. No en vano, el presente disco
surgió como la banda sonora de una película que sólo existe en la mente de
Riccardo Prencipe.
Los interesados en conocer más
sobre el grupo, o incluso bajarse algún tema, pueden darse una vuelta por la página
de la compañía editora
www.equilibriummusic.com,
o por la del grupo www.lupercalia.it.
A casa editora Equilibrium Music nos fazem chegar seu próximo lançamento, o CD titulado "Florilegium" dos italianos "Lupercalia", que verá a lUz no próximo 18 de maio.
Lupercalia, nome tomado de uma festa pagã romana da fertilidade, cuja origem se desconhece, é uma dupla composta por Riccardo Prencipe, encarregado da guitarra clássica, sintetizador e dulcimer e a soprano Claudia Florio encarregada dos coros.
O
grupo se formou em 1999 quando se juntarom Riccardo Prencipe e o violinista
Pierangelo Fevola, gravando pouco depois seu debut "Les
Nuits des Samain". Seu primeiro longa duração ‘Soehrimnir’, um
trabalho completamente instrumental, é lançado no ano 2000 pela "word
Serpent Distribution. Pouco tempo depois Claudia Florio se incorpora ao grupo
Lupercalia, començando a trabalahar em "Florilegium" no verão de
2001. Após a saída de Pierangelo Fevola, o grupo se mantém em forma de
dupla com Riccardo e Claudia.
"Florilegium" é um
cd composto por 13 músicas de bom gosto, nas quais se entrelaçam melodias
medievais, orientais e de folclore tradicional, não em vão há 5 temas
baseados en canções tradicionais (música e letra ou bem músicas ás que se
adpata letras, ou letras ás que se adapta músicas): ‘Personent Hodie’,
‘Rebis’, ‘Axe’, ‘The wind that shakes the barley’ y ‘Pilgrim´s
chant’. as músicas são varíadas alternando todos eles ritmos rápidos e
lentos, melodias occidentais e orientais, sensações de melodias com sensações
de festejos, e tudo englobado em uma aura de misticismo e paganismo que aumenta
com a voz da soprano Claudia Florio. A vos dela complementa e acompanha a música
de maneira agradavel, mesmo que aquí tal vez seja um pequeno impecilio, acho
que deveria alternar mais vezes a voz de soprano com a normal; como exemplo só
escutar a décima música, "Axe" na qual a bela voz de Claudia não
perde nada oa deixar de lado os tons de soprano. As letras são na maioria em
latim, o que da um toque ainda mais exótico e místico ás composições, alem
de ser algo muito original em meu entender.
Riccardo Prencipe e Claudia
Florio são acompanhados por colaboradores como un quarteto de cordas (Gianluca Uccio - primer violinista, Giovanni Borrelli -
segundo violinista, Roberto Bottino – viola y Gianfranco Scalzo –
violoncelo) e outra cantora feminina, Lina Salvatore que dá a voz às declamações.
Estas colaborações incrementam a força das melodias e a sensação de
orquestração das músicas, de modo que se já era inevitavel se introducir
dentro da música, com estas colaborações é impossível sair ao mundo real
enquanto dura o cd. Ta é a força dos temas.
A
produção do CD é muito boa, e podem-se seguir os diferentes instrumentos e
as diferentes melodias facílmente, o que faz a escuta do disco uma delicia
sonora. O formato em que se venderá é "digipak deluxe", incluíndo
um livrinho de 16 páginas a cores com imagens, dentre outros,
Achim
Berdnorz, conhecido pelas suas contribuções nos livros de texto de História
da Arte.
Definitivamente estamos diante
de um disco que gostará, sem dúvida alguma, à aqueles que disfrutam da música
antiga com pinceladas góticas, e que não tenham medo a se introduzir num
mundo no queal os intrumentos eléctricos são deixados de lado. Tambem me
atrevo a dizer que poderia interessar aos que gostam de trilhas sonoras de
filmes históricos e/ou terror clássico. Não em vão, o presente disco surgiu
como a trilha sonora de um filme que só existe na mente de Riccardo Prencipe.
Os interessados em conhecermais sobre o grupo, ou inclusive baixar algum tema, podem dar uma volta pela página da companhia editora www.equilibriummusic.com ou pela do grupo www.lupercalia.it
Trad: Perico Salinas “Pears”
La
ditta editrice Equilibrium Music ci porta il suo ultimo lancio, il CD titolato
“Florilegium” degli italiani Lupercalia, che ha visto la luce il 18 maggio
scorso.
Lupercalia,
nome tratto da una festa pagana romana della fertilità, di origine sconosciuto,
è un duo composto per Riccardo Prencipe, a cura della chitarra clasica, il
sintetizzatore ed il dulcimer, e per la soprano Claudia Florio, anche
risponsabile dei cori.
Il
gruppo, fundato nel 1999 quando si sono reuniti Riccardo Prencipe e il
violinista Pierangelo Fevola, per registrare, po tempo dopo, il suo debutto
“Le Nuit des Samain”. Il suo primo longplay “Soehrimnir”, un lavoro
strumentale, è stato lanciato nel 2000 per la World Serpend Distribution. Poi,
Claudia si è incorporata a Lupercalia, cominciando il lavoro su
“Florilegium” nello state 2001. Dopo andarsene Pierangelo Fevola, il gruppo
rimane come duo.
“Florilegium”
è un CD composto di 13 pezzi di grande stile, nei quali si interlaciano
melodie dal medioevo, orientali e dal folclore tradizionale. Infatti ci sono 5
brani basati su canzioni tradizionali (musica e parole, oppure musica a cui si
adattano le parole o viceversa): “Personent Hodie”, “Rebis”, “Axe”,
“The wind that shakes the barley” e “Pilgrim’s chant”. I brani sono
molto ricchi, alternando al interno ritmi veloci e lenti, melodie occidentali
ed orientali, sensazioni di malinconia e sensazioni di festività, e tutto
circondato da un aura di misticismo e paganismo che si vede rinforzata per la
voce della soprano Claudia Florio, che acompagna e complementa la musica
gradevolmente. Ma, a volte, si sente la mancanza di ascoltare la sua voce senza
impostare, dato che suona, anche, veramente bellisima, come si può verificare
nel decimo pezzo, dal nome "Axe". La lingua utilizzata è, sopra
tutto, il latino, che conferisce ancora più misticismo ai brani e un'aria
esotica per inusitata.
Riccardo
Prencipe e Claudia Florio sono accompagnati da un quartetto di archi (Gianluca
Uccio – primo violino, Giovanni Borrelli – secondo violino, Roberto Bottino
– viola e Gianfranco Scalzo – violoncello) e un’altra cantante, Lina
Salvatore, che presta la sua voce nelle declamazioni. Queste collaborazioni
aggiungono forza alle melodie e alla sensazione di orchestrazione dei brani, in
modo che, se era già inevitabile mettersi dentro la musica, con queste
collaborazioni è impossibile rendersi al mondo reale per tuta la durata del
CD. Tale è la forza dei pezzi.
La
produzione del CD è ottima, e si possono seguire i differenti strumenti e le
differente melodie facilmente, e per questo che l’ascolto del disco sia una
delizia sonora. Il formato in cui si metterà in vendita è “digipack deluxe”,
includendo un libretto di 16 pagine a colore con imagini di, tra altri, Achim
Berdnorz, conosciuto per le sue contribuzioni nei libri di Storia dell’Arte.
Insomma,
ci troviamo davanti un disco che piacerà davvero a quelli che piace la musica
antica con toni gotichi e che non hanno paura di introdursi in un mondo dove
gli strumenti elettronichi sono abbandonati. Anche mi azzardo a dire che
potrebbe interessare a quellii che piaciono le colonne sonore originali di film
storichi e/o di terrore clasico. Non è invano che il presente disco si è
fatto come la colonna sonora di un film che soltanto si trova nella mente di
Riccardo Prencipe.
Gli interessati in conoscere di più sul gruppo, e anche scaricare qualchi brani, possono visitare le pagine della ditta editrice www.equilibriummusic.com, o quella del gruppo www.lupercalia.it.
Trad: Chus Hernández Sánchez